LONDON DESIGN FESTIVAL
1. INTRODUCCIÓN
2. PROCEDENCIA. Fundadores
2.1. John Sorrell
2.2. Ben Evans
3. EDICIONES ANTERIORES
4. EDICIÓN 2017
4.1. Proyectos landmark
4.1.1. Villa Walala - Camille Walala
4.1.2. Urban Cabin - Sam Jacob & MINI Living
4.2. Proyectos V & A
4.2.1. Reflection Room
4.2.2. Transmision
4.3. Medallas
4.3.1. Panerai London Design Medal - Es Devlin
4.3.2. Design Innovation Medal - Paul Priestman
4.3.3. Emerging Talent Medal -
4.3.4. Logro de por vida
4.4. Socios
4.4.1. Distritos de Diseño
4.4.2. Destinos de Diseño
4.4.2.1. 100% Design
4.4.2.2. Decorex
4.4.2.3. Design Jusction
4.4.2.4. Focus/17
4.4.2.5. London Design Fair
4.4.3. Rutas de Diseño
4.4.3.1. Maker Mile Design Route
4.4.3.2. Notting Hill Design Route
4.4.3.3. South East Makers Design Route
4.5. Eventos
4.5.1. Bienal de Diseño de Londres
4.5.2. Diseño de Fronteras
4.5.3. Global Design Forum
4.6. Identidad gráfica. Pentagram
4.6.1.Ediciones anteriores
5. OTROS FESTIVALES
5.1. Milano Design Week
5.2. Product Design Madrid
5.3. BMY Berlin
5.4. Casa Decor
1. INTRODUCCIÓN
Hemos querido enfocar nuestro trabajo de investigación al London Design Festival 2017. Es un evento que nos causa especial atracción debido a la profesión que estamos estudiando. Nos parece algo que está directamente relacionado con nosotros y de lo que podemos sacar mucho provecho.
Es una propuesta que fue puesta en marcha el 25 de Marzo de 2003 por John Sorrell y Ben Evans y ha tenido un enorme éxito desde entonces, ya que ha logrado convertirse en una de las reuniones más importantes a nivel mundial en el ámbito del diseño. Consta de un fantástico programa de actividades que podemos encontrar por toda la ciudad, así como de instalaciones que han sido especialmente diseñadas por arquitectos y diseñadores de gran prestigio. Además, están presentes exposiciones internacionales, charlas y seminarios o incluso puestos de producto en los que poder hacer durante los siete días.
Por otra parte, existen las llamadas “rutas de diseño” como parte complementaria a este certamen. Se trata de pequeños grupos londinenses que intentar abarcar todas las áreas del diseño (desde prácticas arquitectónicas a talleres o tiendas) y que se organizan formando una especie de ruta, manteniendo poca distancia entre ellos. Con esta iniciativa consiguen ampliar la gama de actividades y eventos. Existen diferentes grupos llamados “Maker Mile”, “Notting Hill” y “South East Makers Club”.
El propósito de este festival es incentivar la creatividad y la participación de todos los profesionales posibles en el ámbito del diseño. Para promover el diseño y hacerlo accesible a todo el público posible la ciudad ha optado, además, por eventos gratuitos, muchos de ellos interactivos, permitiendo así a los participantes involucrarse lo máximo posible. A su vez, ha conseguido atraer a grandes profesionales del mundo del diseño.
Esta propuesta pretende, por lo tanto, incentivar al público a sentirse más atraído por todos los ámbitos diseño mediante iniciativas interactivas, incrementando así su creatividad e ingenio.
2. PROCEDENCIA
Este festival fue concevido por John Sorrell y Ben Evans en 2003. El lanzamiento del `primer festival tuvo lugar en Bloomberg el 25 de marzo de 2003, con un gran apoyo de organizadores de diseño, educación, gobierno y Londres.
El financiamiento privado (60% aprox.) se eleva a través del patrocinio de proyectos del festival junto con una pequeña variedad de productos y servicios del London Design Festival entregados durante todo el año.
Las audiencias de los festivales son significativas, con una audiencia directa estimada de más de 375.000 personas de más de 75 países, con una audiencia más amplia de más de 1 millón de personas entrando en contacto con las principales comisiones públicas en 2015. El festival también tenía un programa de 417 proyectos y eventos por 301 organizaciones asociadas
2.1. JOHN SORRELL
John Sorrell (8 de febrero de 1945) es un diseñador británico y reconocido defensor de la educación y las industrias creativas.
En 1964, estableció su primer negocio, Goodwin Sorrell con Chuck Goodwin.
Después, en 1976, co-fundó el negocio de diseño e identidad Newell y Sorrell con un esposa Frances Sorrell (née Newell). Se convirtieron en una de las consultoras de identidad más grandes y exitosas de Europa, con clientes que incluían British Airways, Body Shop y Royal Mail. La empresa ganó numerosos premios por su creatividad y efectividad. En 1997, Newell y Sorrell se fusionaron con Interbrand para formar Interbrand Newell & Sorrell. Sin embargo, en el año 2000 John y Frances abandonaron la empresa.
John y Frances Sorrell confundaron la Fundación Sorrell en 1999 con el objetivo de inspirar creatividad en los jóvenes y mejorar vidas con buen diseño.
Esta fundación ha trabajado con más de cien mil jóvenes en todo el ReinoUnido en una ámplia gama de programas, que incluyen diseño colaborativo para escuelas, el Programa de Diseño Joven, myplace y Design Out Crime.En 2009, John y Frances crearon la red National Saturday Club. John es copresidente de la Fundación Sorrell.
Sorrell es cofundador y custodio del Saturday Club Trust, una nueva organización benéfica formada en 2016 para asumir el desarrollo de los Saturday Clubs de la Fundación Sorrell. Esta fundación ofrece a jóvenes entre 13 y 16 años la oportunidad de estudiar los sábados gratis. Actualmente, hay alrededor de 50 clubs en todo el Reino Unido: Arte y Diseño, Ciencia e Ingeniería, Moda y Negocios y Escritura y Habla.
También es presidente del London Design Festival (2003) y el London Design Biennale (2016), que fue cofundador en 2003 y coproduce con Ben Evans.
Además, ha sido fideicomisario del Museo Victoria & Albert desde 2011, y presidente de la Universidad de las Artes de Londres desde 2013. University of the Arts Londres es la universidad de artes y diseño más grande de Europa. Un embajador de negocios del Reino Unido desde 2009, John ha sido nombrado por los sucesivos primeros ministros para defender el sector de las industrias creativas del Reino Unido en el extranjero.
En 2014 fundó la Federación de Industrias Creativas. Esta federación une las diversas industrias artísticas y creativas del Reino Unido para garantizar las políticas y los fondos necesarios para promover el éxito global de Gran Bretaña como potencia cultural. En abril de 2017, renunció como presidente.Desde 1994 a 2000, presidió el Consejo de Diseño del Reino Unido, después de llevar a cabo una revisión importante, que creó un plan para la transformación y la estrategia futura para la organización.
También fue presidente del CABE (Comisión para la Arquitectura y el Medio Ambiente Construido) de 2004 a 2009, Vicepresidente de la Chartered of Designers de 1989 a 1992 y Presidente de la Asociación de Diseño Empresarial de 1990 a 1992
2.2. BEN EVANS
Es una de las personas más influyentes en la escena del diseño de Londres. Sin duda una de las personas que más ha movido el diseño en la capital inglesa
Ben Evans fue cofundador del London Design Festival para promover la riqueza del talento del diseño en Londres.
Además, es gobernador de la Universidad de las Artes de Londres. Ben es un apasionado de la educación de arte y diseño. Desde 1997 es fideicomisario de Artangel, una de las organizaciones de arte contemporáneo más importantes del país.
3. RESUMEN CRONOLÓGICO DE EDICIONES ANTERIORES
Siguiendo nuestro trabajo de investigación, queremos hacer hincapié en todos los certámenes que ha habido hasta ahora en el London Design Festival, contando brevemente en lo que ha ido sucediendo año tras año y nombrando proyectos que nos parecen destacables de cada edición.
Así pues, haremos un seguimiento partiendo desde el año 2003 (año de su fundación) hasta el 2016.
3.1. 2003. FESTIVAL INAUGURAL
Este evento tuvo lugar en 32 lugares de la capital. Comenzó siendo un asunto pequeño, y aún más si lo comparamos con los festivales de hoy en día. Sin embargo, fue un gran comienzo para lo que iba a convertirse en uno de los más creativos festivales de diseño internacionales, y claramente escogieron un buen lugar y momento adecuado para su inicio, puesto que el Reino Unido ha sido siempre un lugar lleno de ideas y empresas creativas.
La revista "Time Out", además de publicar la guía oficial de ese año, también dio su punto de vista exponiendo que le parecía una muy interesante propuesta debido a que había sido planeado para atraer a todo el mundo, desde profesionales líderes que ofrecerían discursos por la ciudad a talentos emergentes, ansiosos por compartir sus últimas ideas con el mundo del diseño. Esto haría del festival un evento compatible para todos, abarcando muchos ámbitos del diseño y haciéndolo accesible a toda la población, fuese esta entendida en el diseño o no.
- Exposición de Zandra Rhodes en el Museo de Moda y Textil
La diseñadora inglesa Zandra Rhodes (web oficial) abrió por fin su deseado museo llamado "Museo de la Moda y el Textil" en un antiguo almacén del sureste de Londres, el cual permitió ver su exposición inaugural "Mi vestido favorito" durante el festival. Esta diseñadora, icono de la moda británica, nació en 1940. Empezó a diseñar y estampar telas muy originales con las que creaba vestidos que vendía a una tienda londinense hasta que se estableció por su cuenta en 1968. Posee una manera única de combinar textura y diseño, lo que la ha convertido uno de los talentos mas originales del mundo.
Esta exposición muestra creaciones de 70 diseñadores (Paco Rabbane, Antonio Berardi, Giorgio Armani, Óscar de la Renta, Isabel Toledo, Alexander McQueen...). Cada creador presenta una prenda de sus propias colecciones y un mensaje explicando el por qué de su elección. Entre ellos, Elie Saab acerca el modelo que Halle Berry vistió al recoger su Oscar el año pasado, Jasper Conran opta por un vestido de novia y Rabanne por una mini adornada con perlas.
Fue un edificio rehabilitado por el arquitecto mexicano Ricardo Legorreta. Llenó de llamativos colores la fachada del edificio, donde también se ubica la residencia y el taller de Rhodes. Su luminoso exterior, en tonos mates, anaranjados y rosas, choca con la tendencia al gris del barrio en el que se ubica el museo.
En el interior, los vestidos flotan desde palos de andamio y giran en círculo iluminados por pequeños focos dispuestos como las varillas de un paraguas. "Este país produce muy buenos diseñadores, pero luego no reconoce su labor" dice Rhodes. Es un espacio lleno de colorido y lleno de estampado debido a su muestra de textiles.
A día de hoy, el museo presenta exposiciones temporales que se modifican cada tres meses. En ellas, se muestra todo aquello que esté relacionado con la moda, la joyería y el diseño textil. Además, es también un centro de enseñanza para los nuevos diseñadores ingleses, y cuenta con un estudio y un taller textil de impresión.
Al ser 2003 el primer año en el que se realizó este festival, no he podido encontrar imágenes exactas de la exposición de esa edición, aún así, aquí os dejo algunas de las exposiciones realizadas en este museo:
Para acabar, aquí os adjunto en enlace de la página web oficial de este museo.
3.2. 2004. AÚN MÁS GRANDE
El segundo Festival tuvo lugar del 15 al 30 de septiembre de 2004, comenzando con un lanzamiento parlamentario en la Cámara de los Comunes.
El London Design Festival era ahora el modelo para un nuevo tipo de festival de diseño internacional, celebrando el ingenio nacional e internacional.
Este año sería aún más grande, llegando a doblar en tamaño con 79 socios oficiales y sobre el doble del número de acontecimientos del año anterior.
Otro de los fenómenos del festival, como decía John Sorrell, es la cantidad de gente de ultramar, ya que
El London Design Festival era ahora el modelo para un nuevo tipo de festival de diseño internacional, celebrando el ingenio nacional e internacional.
Tessa Jowell, Secretaria de Estado de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte declaró: "El London Design Festival muestra nuestra riqueza de talento creativo. Londres es uno de los grandes centros creativos del mundo y por medio de eventos como éste, la ciudad y el Reino Unido continuarán atraer talento y nuevos negocios de todo el mundo ".
Algunos de los diseños que estacaron en el año:
Sin duda alguna, el festival seguía creciendo a un ritmo descomunal. En 2005, el número total de visitantes a sus eventos había aumentado a 400.000 (cuatro veces más que en 2003).
Concretamente en ese año, el canciller Gordon Brown, futuro primer ministro de Reino Unido (de 2007 a 2010), se mostró entusiasmado por todo lo que se había logrado en tres cortos años y quiso alabar el festival.
Daba las gracias por haber transformado un festival de tan solo 40 eventos en su primera año a uno que logró 170 eventos y exposiciones en 130 lugares diferentes. Afirmaba que era un festival que se había ganado una reputación mundial por sus eventos y su visión, y que había conseguido atraer la atención de los medios internacionales, mostrando así todo un espíritu emprendedor.
Además, subrayó el hecho de que el diseño seguía siendo una habilidad clave para la economía británica, "en la nueva economía, el éxito no sucede por accidente, sucede por diseño..." asentía.
Buscando los eventos que se habían realizado ese año, quiero destacar la siguiente colaboración:
Tom Dixon en Selfridges.
TOM DIXON
Tom Dixon nación en Túnez en 1959 y se mudó a Inglaterra en 1963.
Dejó la Escuela de Arte de Chelsea para tocar el bajo en la banda "Funkapolitan" y después decidió aprender a soldar y empezó a producir muebles.
En 1998 le nombraron director creativo de la multinicaional Habitat y en 2002 creó su propia marca Tom Dixon en Londres, que cuenta con una gran producción de mobiliario, iluminación y objetos para el hogar.
La marca Tom Dixon le dio una plataforma para producir diseños icónicos como Mirror Ball, Copper Shade, Wingcack chair y Beat light. Es una compañía internacional que cuanta con clientes en 63 países y ubicaciones en Inglaterra, América y Hong Kong.
Como he dicho anteriormente, Tom Dixon (página web) colaboró con Selfridges (página web) para el festival del 2005. Selfridges es una cadena de grandes almacenes del Reino Unido fundada por el norteamericano Harry Gordon Selfrisge en 1909. En el Festival de Diseño de Londres, recoge algunas de las marcas más importantes para el hogar, descubriendo diseñadores y nuevas experiencias.
Sin embargo, al ser una colaboración tan efímera y tan antigua como para poder obtener información sobre ella del 2005, he querido destacar otras intervenciones de este artista para Selfridges algo más cercanas, las del 2012, 2013 y 2015 concretamente.
2012. "The dock"
Se trata de un centro de diseño al lado del canal (de ahí su nombre, muelle en inglés), con una mezcla armónica de exhibiciones, eventos "flash" y lanzamientos de productos.
En esta exhibición se muestran nuevas lámparas, luces y sombras a través de una serie de entornos iluminados que exploran el mundo de la luz artificial, demostrando nuevas tecnología. Los productos apoyan un comercio "Made in Britain", que respaldan la fabricación británica y ceblebran el arte de la artesanía.
Los productos incluyen "Lustre", un colgante de cerámica con un esmalte iridiscente a base de minerales.
También destaca la revelación internacional de "Eclectic", su primera colección de accesorios para el festival.
2015. Multiplex
Esta exposición fue presentada en el Old Selfridges Hotel. Este antiguo hotel, abandonado durante cuatro años, ofrece un entorno sensacional para este proyecto.
El programa alberga distintas secciones dedicadas a la tecnología, el arte, los automóviles, la comida y la moda, junto con un espacio que exhibe el trabajo y los productos del diseñador británico y de sus marcas colaboradoras, tales como Caesarstone, Gail's kitchin y Sony. El proyecto tiene como objetivo mostrar el futuro de las compras y atraer la atención de todos los sentidos de los visitantes.
Dixon cree que el negocio de los interiores de venta minorista ha sido aplastado por el aumento de las rentas y el crecimiento de las compras por Internet, por lo que cree que Multiplex puede ser un modelo para su "única posibilidad de supervivencia".
Los visitantes podrán explorar departamentos dedicados a la tecnología, el hogar, la moda, la belleza y la joyería. El sitio también albergará eventos, instalaciones, ventanas emergentes e intervenciones.
El espacio se convierte en un recurso para trabajar, jugar y entretener, para inspirarse y para los negocios, una plataforma para la transmisión superior de marcas e ideas y un espacio temporal de entretenimiento.
Tom Dixon en Selfridges.
TOM DIXON
Tom Dixon nación en Túnez en 1959 y se mudó a Inglaterra en 1963.
Dejó la Escuela de Arte de Chelsea para tocar el bajo en la banda "Funkapolitan" y después decidió aprender a soldar y empezó a producir muebles.
Destaca en su trabajo la herencia del pasado industrial británico que se manifiesta en las formas puras y bien definidas de sus diseños y la elección de materiales nobles.
Empezó experimentando con diferentes materiales, primero la cerámica y después el metal, hierro acero y cobre que pasarían a convertirse en sus materiales "fetiche".
Diseñador autodidacta, en 1980 presentaría la silla "S" para la marca de mobiliario italiana Campellini, que se convirtió en su primer éxito y reconocimiento internacional.
Sus diseños están presentes en los museos más importantes del mundo, como el Museum of Modern Art de Nueva York, el Victoria & Albert de Londres o el Pompidou de París.
En 1998 le nombraron director creativo de la multinicaional Habitat y en 2002 creó su propia marca Tom Dixon en Londres, que cuenta con una gran producción de mobiliario, iluminación y objetos para el hogar.
La marca Tom Dixon le dio una plataforma para producir diseños icónicos como Mirror Ball, Copper Shade, Wingcack chair y Beat light. Es una compañía internacional que cuanta con clientes en 63 países y ubicaciones en Inglaterra, América y Hong Kong.
Sin embargo, al ser una colaboración tan efímera y tan antigua como para poder obtener información sobre ella del 2005, he querido destacar otras intervenciones de este artista para Selfridges algo más cercanas, las del 2012, 2013 y 2015 concretamente.
2012. "The dock"
Se trata de un centro de diseño al lado del canal (de ahí su nombre, muelle en inglés), con una mezcla armónica de exhibiciones, eventos "flash" y lanzamientos de productos.
En esta exhibición se muestran nuevas lámparas, luces y sombras a través de una serie de entornos iluminados que exploran el mundo de la luz artificial, demostrando nuevas tecnología. Los productos apoyan un comercio "Made in Britain", que respaldan la fabricación británica y ceblebran el arte de la artesanía.
Los productos incluyen "Lustre", un colgante de cerámica con un esmalte iridiscente a base de minerales.
También destaca la revelación internacional de "Eclectic", su primera colección de accesorios para el festival.
2013. "The dock"
Este año Tom Dixon vuelve a mostrar su exposición "The dock", esta vez con 40 piezas nuevas, que van desde enormes mesas primitivas revestidas de cobre y soportes de libros hasta teteras de latón pulido. Son piezas que se muestran por primera vez en Reino Unido mediante esta exposición titulada "Rough and Smooth", haciendo así referencia a una exploración de extremos opuestos.
Esta exposición fue presentada en el Old Selfridges Hotel. Este antiguo hotel, abandonado durante cuatro años, ofrece un entorno sensacional para este proyecto.
El programa alberga distintas secciones dedicadas a la tecnología, el arte, los automóviles, la comida y la moda, junto con un espacio que exhibe el trabajo y los productos del diseñador británico y de sus marcas colaboradoras, tales como Caesarstone, Gail's kitchin y Sony. El proyecto tiene como objetivo mostrar el futuro de las compras y atraer la atención de todos los sentidos de los visitantes.
Dixon cree que el negocio de los interiores de venta minorista ha sido aplastado por el aumento de las rentas y el crecimiento de las compras por Internet, por lo que cree que Multiplex puede ser un modelo para su "única posibilidad de supervivencia".
Los visitantes podrán explorar departamentos dedicados a la tecnología, el hogar, la moda, la belleza y la joyería. El sitio también albergará eventos, instalaciones, ventanas emergentes e intervenciones.
El espacio se convierte en un recurso para trabajar, jugar y entretener, para inspirarse y para los negocios, una plataforma para la transmisión superior de marcas e ideas y un espacio temporal de entretenimiento.
En 2006, el Festival fue inaugurado por el invitado especial Sir Terence Conran, diseñador, restaurador, detallista y escritor inglés. Conran nació en Kingston upon Thames, hijo de Christina Mabel (Halstead) y sudafricano Gerard Rupert Conran, un hombre de negocios que poseía una empresa de importación de caucho en el este de Londres. Conran fue educado en Highfield School en Liphook, Bryantson en Dorset y la Escuela Central de Arte y diseño (ahora incorporado a Central St Martín, una parte de la Universidad del Arte en Londres), donde estudió textiles y otros materiales. El primer trabajo profesional de Conran ocurrió cuando trabajó en el Festival de Gran Bretaña (1951) en el principal sitio de South Bank. Dejó la universidad para ocupar un trabajo con la compañía de arquitectura deDennis Lennon, que había sido comisionado para hacer un interior de escala 1/4 de un Barco de la princesa que vuela. Conran comenzó su propia práctica de diseño en 1956 con la gama de muebles Summa y el diseño de una tienda para Mary Quant.
En total, 208 eventos fueron organizados por 160 organizaciones participantes y el número de visitantes siguió creciendo: alrededor de 300.000 personas asistieron a los eventos del Festival. Durante un fin de semana del Festival, la antigua cervecería Truman en Brick Lane tuvo 25.000 visitantes.olos.
Tom Dixon se hizo cargo de Trafalgar Square , regalando 500 sillas de edición limitada:
Otros acontecimientos incluyeron el puente de Michael Cross, una instalación del diseño / del arte en una iglesia en Dilston Grove, parque de Southwark, en el cual los visitantes podrían caminar sobre el agua, pisando misteriosamente apareciendo fuera del agua delante del andador mientras caminaban.
Londres estaba en auge. Desde que se inauguró este festival el alcalde de Londres, Ken Livigstone, dijo: "preferiría que Londres fuese segundo en servicios financieros y primero en industrias creativas", donde se podía ver claramente la repercusión que había generado este acontecimiento.
En 2007 empezó a surgir lo que se ha llegado a conocer como Proyectos Landmark. Estos son una gran carácterística del festival. Consiste en encargar a los mejores diseñadores y arquitectos del mundo, así como a nuevos talentos pioneros, crear algo extraordinario en respuesta a una variedad de estímulos, materiales, temas o ubicaciones. Desde su creación este año, se han instalado por todo Londres; desde la península de Greenwich hasta Trafalgar Square.
En esta edición, el festival encargó dos obras que fueron instaladas en Southbank Centre; Urban Nebula de Zaha Hadid y Prototile de Amanda Levete (del cual os dejo las imágenes a continuación). Estos arquitectos experimentaron con la forma en un espacio muy público.
También fue el año en el que el festival dio su primera Medalla de Diseño de Londres, que de otorgaba a una figura que había hecho una gran contribución al diseño en la capital, marcando una diferencia significativa en la sociedad a través de innovación, originalidad e imaginación. En este caso, se le otorgó a Zaha Hadid, la misma arquitecta que había recibido uno de los encargos del Landmark Project. Como he podido ver en la página web de la arquitecta (Zaha Hadid Architects), se le otorgó la medalla "Contribución excepcional al diseño".
También fue el año en el que el festival dio su primera Medalla de Diseño de Londres, que de otorgaba a una figura que había hecho una gran contribución al diseño en la capital, marcando una diferencia significativa en la sociedad a través de innovación, originalidad e imaginación. En este caso, se le otorgó a Zaha Hadid, la misma arquitecta que había recibido uno de los encargos del Landmark Project. Como he podido ver en la página web de la arquitecta (Zaha Hadid Architects), se le otorgó la medalla "Contribución excepcional al diseño".
En este link podéis ver todos los proyectos que se pudieron disfrutar este año. Sin embargo, yo me he querido centrar en la colaboración de Zaha Hadid.
ZAHA HADID
Nació en Bagdad, Irak, en 1950 y falleció en 31 de marzo de 2016 por un ataque al corazón. Es una de las principales figuras de la arquitectura contemporánea mundial. Cursó estudios de Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut (Líbano) y en 1972 se trasladó a Londres para ingresar en la Asociación de Arquitectura, donde se graduó en 1977 y en la que poco después ejerció como docente.
En una arquitecta que ha pasado a la historia por ser la primera mujer en recibir el premio Pritzker de arquitectura en 2004. Además, recibió el premio Mies van der Rohe y el premio Stirling en el año 2010 y 2011. En 2012 fue nombrada por la reina de Inglaterra como Comendadora de la Orde del Imperio Británico, y en 2015 se convirtió en la primera mujer en recibir la Medalla de Oro del RIBA (colegio de arquitectos británico)
Sus edificios neofuturistas se caracterizaban por las formas curvas con múltiples puntos de perspectiva y geometría fragmentada que buscaban evocar el caos de la vida moderna. Este es uno de sus proyectos: el Centro Heydar Alivev, en Bakú (capital de Azerbaiyán).
Como ya he comentado, en 2007 su colaboración para el festival consistió en crear lo que tituló "Urban Nebula" (Nebulosa Urbana). Se trababa de una instalación que exploró la aplicación potencial del hormigón prefabricado para la creación de formas orgánicas y repetitivas. Así pues, existía una contradicción puesto que quería conseguir una pieza fluida usando un elemento tan poco ligero.
El trabajo fue fabricado por la empresa Aggregate Industries y tenía un peso de 28 tonelada. Estaba compuesto por 150 bloques únicos de hormigón negro pulido (prefabricado), unidos ente sí para hasta formar una pared perforada. Con esta obra logró cambiar la perspectiva que tenía mucha gente hacia este material. En podéis este link ver imágenes del proceso de fabricación.
La idea de Hadid era hacer un banco con una estructura que se comportara como una pared de piedra seca (técnica tradicional que se realiza mediante el uso de piedras pero sin utilizar ningún tipo de mortero), pero que careciera de los componentes que hacen que se levante una pared común. Para ello creó un diseño que conectaba invisiblemente los bloques de hormigón.
Urban Nebula se expuso en el Southbank Center durante un mes, donde fue vista por más de un millón de personas y atrajo una amplia cobertura de prensa, tanto nacional como internacional.
3.6. 2008. ALL THINGS DESIGN
En 2008, la situación económica estaba empezando a cambiar, a descender. Pero, sin embargo, nada de ello influyó en el Festival. Tanto el número de eventos como el número de visitantes se mantuvieron: 215 proyectos y espectáculos públicos, y un aumento en la gente que viene a disfrutar de estos 10 días de diseño.
Este año, se celebró del 13 al 23 de septiembre, coincidiendo con 100% Design, otro gran festival de diseño. De nuevo, con su peculiaridad de hacer el festival por toda la cuidad de Londres, se pudo disfrutar de eventos, exposiciones instalaciones, además de numerosos diseñadores en las innumerables conferencias.
Con el lema “All Things Design” este festival es “para todos aquellos que creen que el diseño puede solucionar problemas, llevar innovación, construir beneficios, crear belleza y levantar los espíritus”, como dice John Sorrell.
Entre los diseños más destacados de este 2008 encontramos:
'Sclera’, de David Adjaye.
David Adjaye es un arquitecto ghanés, nacido en Tanzania en 1966. Establecido en Londres.David Adjaye obtuvo su licenciatura en la London South Bank University, y terminó su maestría en 1993 en la Royal College of Art. Se inició como creador en 1994 remodelando bares y residencias. En el año 2000 creó su propia firma, Adjaye Associates.
El artista crea este pabellón de forma ovalada, hecho de madera de tulipán americano, en la que los visitantes pueden caminar y experimentar las cualidades primas del material.
'Portrait', de Fredikson & Stallard.
Patrik Fredrikson e Ian Stallard comenzaron su colaboración en 1995 y desde entonces se han convertido en reconocidos internacionalmente como los principales exponentes del diseño vanguardista británico. Su trabajo de vanguardia, conceptualmente riguroso, ha sido regularmente discutido y elogiado en la prensa de diseño y es buscado por coleccionistas exigentes y productores de muebles.
La obra es una instalación en Somerse Horse en Londres, creada por los diseñadores Fredikson Gallard para la marca de champán veuve Cliqcuot La estructura de acero, que representa el grano de un bloque de madera, se ilumina desde el interior por la noche.
Este año, el galardonado con la Medalla de Diseño de Londres fue Marc Newson, es un diseñador industrial nacido en Sydney, Australia, el 20 de osctubre del 66.
Trabaja en diseño de aviones, diseño de productos, diseño de muebles, joyería y ropa. Su estilo utiliza líneas geométricas suaves, translucidez, fuerza, transparencia, y tiende a tener una ausencia de bordes afilados.
Se graduó en el Sydney College of the Arts en Sydney, Australia, estudiando joyería y escultura.
Dos de sus obras más reconocidas fueron la 'Lookheed', y la 'Embyro'.
3.7. 2009. AJEDREZ GIGANTE DE JAIME HAYÓN
En 2009, el museo londinense Victoria and Albert Museum se convirtió en un centro de gran importancia, dándole al festival un hogar en uno de los museos de diseño más grandes del mundo. Con esta colaboración el museo también consiguió aumentar su número de visitantes un 31% durante el periodo del festival.
Uno de los aspectos más destacados en el museo ese primer año fue el "In Praise of Shadows", una exposición que mostró el diseño de iluminación europeo contemporáneo, innovador y encantador. Estaba inspirado en la iniciativa de la Unión Europea para eliminar las bombillas de bajo rendimiento.
Esta exposición incluyó una amplia variedad de diseñadores de iluminación europeos como Pieke Bergmans, Eric Klarenbeek y Paul Cocsedge. Se instalaron todas las colecciones en una de las habitaciones oscuras del museo. Las únicas fuentes de luz fueron algunas de las exhibiciones expuestas, así como la luz de la antorcha dínamo que cada visitante recibió al ingresar. Estos podían explorar de forma significativa no solo el potencial de la iluminación de baja energía y las fuentes de energía alternativas, sino también la forma en que pensamos sobre la luz y la oscuridad.
Se trataba de un espectáculo único y divertido, que creaba un choque cultural y un sentido casi místico al explorarlo.
Además, los Proyectos LandMark contaron este año con una instalación de Jaime Hayón en Trafalgar Square que incluía un extraordinario torneo de piezas de ajedrez, que es el que voy a destacar de esta edición.
The Tournament-Jaime Hayón
The Tournament-Jaime Hayón
JAIME HAYÓN
Artista-diseñador español que nació en Madrid en 1974, que posee oficinas en Italia, España y Japón y del cual podéis acceder a su página web oficial a través de este enlace.
Después de estudiar diseño industrial en Madrid y París, se unió a Fábrica, la academia de diseño y comunicación financiada por Benetton en Italia, en 1997, donde dirigió el departamento de diseño hasta 2003. Hayón creó su propia práctica de estudio en el año 2000 y se dedicó por completo a sus proyectos personales a partir de 2003. A día de hoy, es uno de los creadores más aclamados del mundo.
Su estima y conocimiento sobre las habilidades artesanales y su creatividad le han permitido traspasar los límites de muchos medios y funciones, dando como resultado colecciones para clientes muy diversos.
La obra construida para este festival en Trafalgar Square tuvo como título "The Tournament". Se trataba de una obra que consistía en un juego de ajedrez de tamaño gigante hecho de madera torneada y cerámica pintada a mano, con más de 300 horas de trabajo.
Para crear estas 22 piezas de ajedrez Hayón se valió de la colaboración de Bosa, experto en cerámica italiana en Veneto, Italia.
Además, cada pieza fue creada para representar una parte de Londres o un edificio icónico, a sus cúpulas, torres y capiteles.
Las piezas de ajedrez se apoyaban en unas ruedas para que se pudiesen poder fácilmente por el tablero. Los jugadores tenían la oportunidad de jugar con estas piezas de este clásico juego con piezas de dos metros de altura. Durante la instalación, los mienbros de la Federación Británica de Ajedrez compitieron por la mañana y pasado el medio día, el público tuvo la ocasión de jugar.
Fue una instalación totalmente increíble y sorprendente.
Para su creación, el diseñador se inspiró en la Batalla de Trafalgar, que Hayón vio como un punto de inflexión en la historia europea, la batalla de ajedrez que representa la estrategia que finalmente derrotó a las fuerzas francesas y españolas.
Además, en este enlace os dejo el video explicativo del proyecto de mano del própio artista
En este se pudo disfrutar de más de 250 eventos organizados por más de 160 personas que dieron vida por todo Londres.
En Trafalgar Square se lanzó un ambicioso proyecto de Landmark Outrace creado por los diseñadores Clemens Weisshaar y Reed Kram, y produido por Audi AG. , Outrace consistió en ocho brazos robóticos industriales gigantes, modificados para permitir al público escribir mensajes cortos a la luz que luego fueron grabados y transmitidos a nivel mundial.
Clemens Weisshaar nació en Munich. Después de un aprendizaje como trabajador de metal estudió diseño de productos en la Escuela de Arte y Diseño Central Saint Martins y el Royal College of Art en Londres y fue asistente de Konstantin Grcic durante tres años antes de fundar su primera oficina de diseño en 2000. Weisshaar vive en Londres y Munich. Reed Kram nació en los Estados Unidos y ahora vive y trabaja en Estocolmo y Munich. Kram estudió diseño en el innovador MIT Media Lab y cofundó el Grupo de Estética y Computación liderado por John Maeda . Asistió a la Escuela de Postgrado de Harvard y ganó la Beca Fulbright para Arte y Diseño para los Países Bajos en 1998. El trabajo de Clemens Weisshaar y Reed Kram redefine el diseño de vanguardia. Sus proyectos abarcan desde el desarrollo de software hasta el diseño de procesos, desde el diseño del producto hasta la arquitectura.
De otra obra que pudimos disfrutar es la del artista Paul Cocksedge, uno de los diseñadores jóvenes más ingeniosos del Reino Unido. Cocksedge estudió diseño industrial en la Universidad Sheffield Hallam y diseño de productos con Ron Arad en el Royal College of Art de Londres. Desde que se graduó en 2002, Cocksedge ha expuesto en el Design Museum y en el Powerhouse Museum y su obra forma parte de las colecciones permanentes del Museo Victoria & Albert y Pinakothek der Moderne Die Neue Sammlung. Formó el estudio Paul Cocksedge Studio en 2004 junto a Joana Pinho. Con un fuerte y dedicado equipo de colaboradores, el Studio ha ganado el reconocimiento nacional e internacional por su diseño original e innovador, respaldado por la investigación sobre los límites de la tecnología, los materiales y los procesos de fabricación.
En su instalación, ubicada en el Southbank Center, creó una instalación literalmente magnética, llamada 'The Drop', que consistía en una escultura magnetica en froma de moneda doblada, en la cual todas personas podrían unir una libra y crear frases o formas en su superficie. Todas las monedas se donaron a Barnardo´s, una fundación que ayuda a niños.
Uno de los éxitos reales del festival del año fue el restaurante de diseño emergente del Instituto Finlandés de Cultura, Hel Yes !, que sirve comida en forrajes en platos y platillos de multitud de platos mostrando sutilmente tanto la ética como los diseños de varias estrellas del diseño de Helsinki.
3.9. 2011. CUATRO GRANDES INSTALACIONES
"El London Design Festival se ha convertido en el lugar para ver lo último en moda, mobiliario e instalaciones que imponen límites" New York Times 201
Así lo anunciaba este importante periódico newyorniko. Y es que, efectivamente, cada año, este festival londinense iba mostrando más brillo del diseño de esta ciudad al mundo. Este noveno festival contó con un programa de 310 proyectos y eventos organizados por 242 organizaciones socias, convirtiéndolo en el más grande hasta el momento. En total hubo 65 espectáculos y eventos en el centro del Festival en el V & A, mientras que los seis distritos de diseño (que ahora incluían Brompton Design District, Covent Garden Design District y Shoreditch Design Triangle) organizaron 78 eventos. Más 2 millones de personas entraron en contacto con el Festival debido a la organización de eventos e instalaciones en los principales espacios públicos.
PERSPECTIVAS - JOHN PAWSON
PERSPECTIVAS - JOHN PAWSON
Cada edición busca nuevos icónicos espacios públicos en los que instalar sus proyectos más emblemáticos. En 2011 tuvieron la suerte de poder acceder a la Catedral de San Pablo, donde John Pawson instaló la exposición "Perspectivas".
John Pawson (Halifax, Inglaterra, 1949) se educó en Eton y trabajó en la fábrica de textil de su familia en Yorkshire antes de trasladarse a Japón, donde ejerció de profesor y visitó el estudio del diseñador Shiro Kuramata. De vuelta a Inglaterra, se estableció como arquitecto en 1981. El particular enfoque arquitectónico de Pawson queda patente en obras como el apartamento compacto de Bruce Chatwin, la tienda de Calvin Klein en Manhattan o el aeropuerto de Cathay Pacific en Hong Kong.
Esta obra se trataba de producir un reflejo que permitiese revelar una nueva perspectiva de la escalera de esta catedral. Para ello utilizó la lente más grande de Swarosvski (49cm de diámetro) suspendido a 23 metros, en la cúpula de la torre. Des esta manera, se logró crear una experiencia óptica que dependía de la sutileza científica, la sencillez de materiales y una compleja combinación de luz, espacio y proporción para reflejar un espacio como el de la escalera.
Aquí podéis ver las fotos del proceso de su fabricación.
Además, en esta edición siguieron presentes las instalaciones en el Vistoria and Albert Museum. Siguieron teniendo mucha visibilidad pública (aumentando un 60% sus visitas). Destacó principalmente dos estructuras.
TIMBER WAVE - AL_A
TIMBER WAVE - AL_A
La primera fue el elegante arco de AL_A (página web), Timber Wave, que fue expuesto en la calle fuera de la entrada principal del museo.
AL_A es un galardonado estudio de arquitectura y diseño fundado por la arquitecta ganadora del Premio RIBA Stirling, Amanda Levete, con los directores HoÝin Ng, Alice Dietsch y Maximiliano Arrocet.
Desde su formación en 2009, AL_A ha refinado un enfoque intuitivo y estratégico para el diseño. Colaborando con clientes ambiciosos y visionarios, desarrollan diseños que se conceptualizan como proyectos urbanos, no solo como edificios y proyectos que expresan la identidad de una institución, una ciudad o una nación.
Se trataba de una gigantesca instalación que con forma de una ola gigantesca, de madera y cayendo en cascada por los escalones. Fue construida a partir de roble rojo americano tratado con aceite, contaba con 12 metros de diámetro y empleaba técnicas de construcción y materiales normalmente utilizados en muebles para crear una majestuosa estructura de tres pisos. Como contaba la arquitecta Amanda Levete de AL_A, querían llevar el museo a la calle.
TEXTILE FIELD - RONAN & ERWAN BOUROULLEC
Por otra parte, podíamos encontrar el Textile Field de los diseñadores franceses Ronan & Erwan Bouroullec, que atrajo a miles de visitantes a relajarse mientras contemplaban las pinturas del Raphael Court del V & A Museum desde un campo de tela a rayas. Era una instalación que cubría 240 metros cuadrados del piso de la galería, e invitaba a los visitantes a recostarse al mirar las otras de arte del Renacimiento.
Por otra parte, podíamos encontrar el Textile Field de los diseñadores franceses Ronan & Erwan Bouroullec, que atrajo a miles de visitantes a relajarse mientras contemplaban las pinturas del Raphael Court del V & A Museum desde un campo de tela a rayas. Era una instalación que cubría 240 metros cuadrados del piso de la galería, e invitaba a los visitantes a recostarse al mirar las otras de arte del Renacimiento.
Las coloridas tiras de tela de la marca de textil Kvadrat están envueltas en trozos de espuma para crear esta superficie acolchada. Ronan y Erwan Bouroucellc han creado un espacio que cierra la distancia formal entre el espectador y la obra de arte. "Hemos decidido proporcionar un tipo de elemento de mobiliario que ayude a las personas a relajar sus cuerpos y relajar sus mentes... ...y entonces, tal vez, el significado vendrá" explicaba uno de sus componentes.
Ronan (nacido en 1971) y Erwan Bouroullec (nacido en 1976) son hermanos y diseñadores son sede en París. Han estado trabajando juntos durante 15 años. Su estudio tiene su sede en París y su equipo cuenta con seis personas. Su trabajo ha abarcado muchos campos del arte y la artesanía, desde la artesanía hasta la escala industrial, desde dibujos hasta videos y fotografía.
Fueron "descubiertos" por la marca de mobiliario Cappellini, quien les dio sus primeros proyectos de diseño industrial. Comenzaron a trabajar con la galería en 2000. Desde entonces, han ido allí a trabajar con marcas como Artk, Alessi, Axor de Hansgrohe...
Además, sus diseños son parte de colecciones permanentes en museos internacionales como el Centro Pompidou de París o el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Por último, quiero destacar la intervención de David Chipperfield Architects En el Southbank Center.
TWO LINES - DAVID CHIPPERFIELD
David Chipperfield es un arquitecto británico nacido en Londres en 1953. Estudió arquitectura en la Architectural Association School of Arquitecture de Londres, licenciándose en 1977.
Desde 1978 a 1984 trabajó con arquitectos de la talla de Douglas Stephen, Richard Rogers o Norman Foster, estableciendo su propio estudio David Chipperfield Architects en 1984. Tiene oficinas principales en Londres, Berlin y Milán y una oficina de representación en Shanghái.
Su arquitectura suele englobarse dentro de la corriente estilística conocida como minimalismo. Ha desarrollado su labor en edificación, entre ellos ha obtenido varias veces el premio RIBA (Royal Institute for British Arquitects) por diferentes obras, destacando museos, galerías de arte, bibliotecas, casas privadas, hoteles u oficinas.
En esta ocasión, su aportación al festival due la de un trabajó con vidrio y telas para crear Two Lines, una instalación de Size + Matter que juega con el espacio y la luz.
Se colocaron 28 paneles de vidrio laminado idénticos que llevaban insertos de tejido con revestimiento de cobre y aluminio para garantizar el aspecto de resistencia del material en la superficie de vidrio y crear experiencias ópticas diferentes desde el interior o el exterior de la instalación.
El arquitecto quería conseguir un diálogo escultórico entre dos formas idénticas, que solo se diferenciaban en su orientación y acabados de aluminio y cobre. Cada forma consistía en una serie de paneles de vidrio laminado sin marco con las correspondientes conexiones de acero inoxidable coloreado.
Dos lineas oscilaban entre una relación escultórica de dos formas ortogonales y una serie regular de elmentos verticales simples. La capa intermedia del 50% de malla le dio una mayor materialidad al vidrio, pareciendo a veces traslúcido, cambiando a lo largo del día. Como resultado, la instalación creó una variedad de experiencias diferentes a medida que los visitantes se movían dentro y alrededor de ella.
3.10. 2012. CONTRA LO COMÚN
Llegamos al 2012, año en el que se cumple el 10º aniversario de este fabuloso festival de diseño, y que mejor forma de hacerlo que con un programa de 304 proyectos, organizados por 295 socios. Tomando el diseño en toda la ciudad, el Festival atrajo a más de 350,000 visitantes del Reino Unido y 60 países de todo el mundo.
Por otro lado, FAT Architecture y Amorim colaboraron en la creación de una pasarela de corcho natural que cubría el punte existente sobre las galerías medievales y renacentistas del V & A.
3.12. 2014. PERDERSE EN EL DISEÑO
Por tercer año consecutivo, el Victoria & Albert Museum fue el centro del Festival, ofreciendo 79 charlas y exposiciones. Muchos vinieron especialmente a subir la estrecha y retorcida escalera que nos lleva a la cúpula del museo para visitar la instalación Prism de Keiichi Matsuda, un diseñador, artista digital y cineasta japonés. Encargada por Veuve Clicquot, lo que ésta quiere representar es la gran escala y variedad de la ciudad de Londres, la naturaleza cambiante de esta gran ciudad. Se trata de una linterna gigante y escultórica, que se creó a partir de una serie de pantallas a través de las cuales se visualizan las secuencias de datos de movimiento rápido, engatusándolas para que desarrollen formas y patrones de luz y color, desde datos de transporte hasta estadísticas económica. Como dice Matsuda, "la instalación es una investigación sobre la vida virtual de la ciudad y nuestra propia relación a menudo ambigua con los datos que controlan nuestras vidas".
Aquí os dejo un vídeo en que Matsuda explica el proyecto: Prims, de Keiichi Matsuda.
Otra obre que los visitantes pudieron descubrir eran las Mimicry Chairs, bastante etéreas, diseñadas por el estudio japonés Nendo, siendo éstas diseñadas en respuesta directa a las espectaculares galerías. Y, no es que todos los días un diseñador tenga la oportunidad de crear una instalación contemporánea en medio del esplendor del V & A Museum, que ya alberga más de cuatro millones de artículos de arte y diseño histórico y contemporáneo. que se ha convertido en uno de los grupos de diseño más dinámicos de la última década. Una serie de elegantes instalaciones para sillas que aparecían en distintos lugares del Museo. Trabajando en contraste con el museo, a menudo adornado de lo que lo rodea, el estudio creó un arquetipo de silla simple, hecho de metal prensado y perforado que se terminó en color blanco para darle un aspecto etéreo, casi fantasmal. Las sillas fueron modificadas y transformadas para imitar el espacio particular en el que viven así como los objetos que lo rodean.
Aquí os dejo el enlace de
un vídeo en el que explican el proyecto. Mimicry chairs, Nendo.
Nendo está dirigido por Oki Sato y Akihiro Ito, quienes han completado decenas de proyectos en todo el mundo desde su formación en 2002, que van desde pequeños artículos de mano, iluminación y muebles hasta grandes exposiciones e interiores minoristas.
Además, los visitantes fueron invitados sentarse en bancos en el jardín creado por diez diseñadores de renombre, especialmente para el décimo año del Festival. Cada uno fue hecho de un material diferente y diseñado por un diseñador diferente. La familia de bancos se exhibió colectivamente en el entorno del jardín John Madejski en el centro del V & A. Los bancos de la ciudad están limitados en base al tamaño, la durabilidad, el vandalismo, etc. El proyecto Bench Years buscaba liberar a los diseñadores de tales limitaciones, dándoles un material particular para enfocarse.
Aquí el enlace del vídeo explicativo: Bench Years.
Situado en Trafalgar Square, uno de los espacios públicos más emblemáticos de Londres, el BE OPEN Sound Portal era un tipo de instalación completamente nuevo que se centró en el diseño que no se puede ver, el de la acústica y el sonido, en lugar del espectáculo visual. El Portal fue diseñado por ARUP, líderes mundiales en el área de la ingeniería acústica, con contenido encargado por la organización de música contemporánea Sonido y Música.
Y por último, el gran proyecto del festival, el BE OPEN Sound Portal. El diseño no siempre tiene que ser sobre el mundo físico. Además de ser una demostración de la innovadora tecnología de audio, el BE OPEN Sound Portal fue una emocionante demostración de diseño que no se puede ver.
Y aquí el vídeo explicativo: BE OPEN Sound Portal.
Cabe destacar La Medalla de Diseño de Londres de este año, que fue otorgada a 'El Último Grito', un estudio formado por dos artistas españoles residentes en Londres. Rosario Hurtado y Roberto Feo fundan en Londres el estudio posdisciplinario EL ÚLTIMO GRITO en 1997. El objetivo de El Último Grito es el estudio continuo de nuestras relaciones con los objetos y con la cultura. La producción del estudio se concreta mediante una infinidad de plataformas para numerosos clientes internacionales, museos y organizaciones entre los que se destacan Magis, Lavazza, Matadero Madrid, Marks & Spencer, Figueras, UNO, LABORAL, Museo Nacional de Arte Reina Sofía, British Airways, Claudio Buziol Foundation, the Sorrell Foundation y el Victoria & Albert Museum.
Sus obras están expuestas en las colecciones permanentes del MoMA de Nueva York, en el Stedelijk de Ámsterdam y en el Victoria & Albert Museum de Londres.
En 2010 fundaron SHOPWORK y POI, una plataforma independiente que se ocupa de publicaciones, investigación, instrucción y diseño.
3.11. 2013. ENDLESS STAIRS DE DRMM ARCHITECTS
Para comenzar, empezaré por dejaros el vídeo promocional de este año en este enlace.
En esta edición seguían aumentando los socios y proyectos del mismo, contando con 250 socios y 300 proyectos en el mismo. Además, continuó su colaboración con el museo de arte y diseño más importante del mundo, el V & A, que incluyó ese año 84 instalaciones, eventos, charlas y talleres.
El proyecto que quiero destacar de este certamen es "Endless Stairs" de dRMM Architects pero, aún así, voy a nombrar otros proyectos destacables de este año.
El proyecto que quiero destacar de este certamen es "Endless Stairs" de dRMM Architects pero, aún así, voy a nombrar otros proyectos destacables de este año.
Los visitantes fueron invitados a ver una espectacular instalación de iluminación de 8 metros, "28.280", creada por Omer Arbel para Bocci, que se instaló en la entrada del museo.
La mundialmente conocida marca italiana Alessi fundada en 1921 por Giovanni Alessi proporcionó a los visitantes una visión poco común de los procesos de producción de su marca al exponer las habilidades de fabricación de sus talleres, escogiendo piezas clave de sus modelos dentro de jaulas para embellecer la historia de las mismas. Se podría descubrir que cada objeto pequeño era una gran aventura de creatividad y tecnología, y que incluso hoy en día, los objetos de Alessi se seguían caracterizando por una artesanía fina que a menudo se produce con la ayuda de la maquinaria.
La marca que comenzó su vida en la metalurgia y continua produciendo piezas de metal hasta el día de hoy expuso sus obras en el vestíbulo de del V & A.
Sin embargo, el proyecto de este año que quiero destacar es uno de los proyectos que se parte de los Landmark Project; "Endless Stairs".
Se trata de enorme estructura inspirada en la escalera surrealista de MC Escher, y se instaló en el césped frente al Tate Modern, con vistas al Támesis. La imponente estructura permitía a los visitantes escalar y explorar una serie de 15 escaleras entrelazadas (un total de 187 escalones) formadas por una construcción prefabricada que utiliza 44 metros cúbicos de tuliwood patrocinadas por el American Hardwood Export Council.
La compleja construcción está diseñada por Alex de Rijke, cofundador de dRMM Architects y decano de arquitectura en el Royal College of Art, en estrecha colaboración con los ingenieros de Arup. A su vez, el arquitecto ha descrito la madera como "el nuevo hormigón", pronosticando que será el material de construcción dominante este siglo.
Esta empresa ha querido descubrir una de las infinitas posibilidades compositivas de una estructura como son las escaleras, explorando su potencial en forma de "escalera sin fin". Se trata de un proyecto tridimensional, en el que destacan la composición y la escala. Un tramo de escaleras que puede tanto conducir a varias partes como no conducir a ninguna. Cada tramo de escaleras juega un papel importante en el sistema de aditivos y es fácilmente desmontable, por lo que se puede configurar en otro sitio.
Esta estructura podrá albergar hasta 93 personas a la vez, y que cuenta con un mínimo de 48 escalones que recorrer como mínimo hasta llegar al punto más alto.
Por lo tanto, se trata de una estructura muy compleja que permite disfrutar de las espectáculares vistas del río Támesis y la Catedral de San Pablo desde diferentes puntos y alturas.
Alex de Rjike esempezó a trabajar en 1995 con Philip Marsh y Sadie Morgan, con los que fundó la empresa dRMM.
En su caso, Alex realiza investigaciones constantes sobre materiales, tecnologías y métodos contemporáneos de construcción. Destaca principalmente por la importancia que le da a la madera y por los diversos proyectos en las que la usa, incluyendo el Kingsdale School Sports Hall en Londres y el prototipo Naked House exhibido en Oslo.
A través de su liderazgo, dRMM ha sido reconocida como pionera en diseño y construcción de madera de ingeniería, especialmente en madera contralaminada.
Además, es de destacar el segundo certamen del Foro Global de Diseño realizado anualmente. Es sin duda alguna un evento que celebra la importancia del diseño, reuniendo a figuras importantes de esta industria y otros sectores para explorar y debatir sobre los problemas a los que se enfrenta el diseño en el mundo moderno.
En 2013 este foro se realizó en el V & A y Southbank Centre y abordó algunas de las áreas de actividades más turbulentas y críticas: la innovación, el urbanismo, el poder de las marcas, el carácter de la creatividad...
Entre los colaboradores de este año destacan Peter Saville, Brent Hoberman, Jaime Hayon, Ilse Crawford, Ross Lovegrove, John Hegarty y Michael Young.
Por último, en cuanto a las medallas de diseño de este año presentadas en una lujosa cena en Lancaster House, fueron otorgadas a Peter Saville, ganador de la medalla de diseño "Panerai London", Dieter Rams, ganador de la medalla de oro "Coutts Lifetime Archivement,David Constantine, ganador de la medalla de empresario de diseño "Veuve Clicquot" y Daniel Rybakken, ganador de la medalla de talento emergente de Swarovski.
El XII Festival de Diseño de Londres se realizó durante nueve días, del 13 al 21 de septiembre de 2014, y contaba con un programa de 395 eventos organizados por 270 organizaciones asociadas. Las audiencias del festival fueron significativas, con una audiencia directa estimada de más de 350,000 personas, de más de 75 países con una audiencia más amplia de más de 1 millón de personas que entraron en contacto con las principales comisiones públicas. En ello participaron más de 2.000 empresas internacionales de diseño.
Los proyectos en el V & A incluyeron a los diseñadores Edward Barber y Jay Osgerby que colaboraron con BMW para crear 'Double Space'.
El artista de vidrio Jeremy Maxwell Wintrebert trabajando con Perrier-
Algo realmente bello, era el proyecto que creó Félix de Pass, Michael Montgomery e Ian McIntyre en asociación con Officine Panerai, llamado Candela, una instalación de luz inversa.
Y para terminar, no podemos olvidarnos de la gran Zaha Hadid, que nos dejó esta escultura llamada Crest, a las afueras del V&A.
Aquí os dejo el enlace en el que podéis ver vídeos de los proyectos.
3.13. 2015. SHOOTING START DE ALEX CHINNEK
Sin duda alguna, este festival no dejaba de crecer. Este año los eventos, exhibiciones y visitantes seguían creciendo a un ritmo descomunal.
En esta edición en concreto, hubo una intervención que destacó por encima del resto.
Se trataba de una obra titulada "Shooting Star", que había sido diseñada por el famoso escultor británico Alex Chinneck.
Alex Chinnek es famoso por elevar objetos cotidianos a monumentos surrealistas, trasformando lo familiar en extraordinario.
Su trabajo destaca por ser una combinación de surrealismo y espectáculo. Además, es especialista en instalaciones arquitectónicas con ilusiones ópticas.
Esta instalación semipermanente fue expuesta al aire libre en la península de Greenwich. La enorme celosía de acero tomó la forma de una torre de electricidad invertida que parecía haber sido disparada al suelo. En este caso, impresiona su escala a ver un objeto tan grande sostener su equilibro en lo que aparentemente parece una delicada punta.
La construcción y la materialidad de la obra reflejan la de las estructuras históricas que aún se encuentran en el lugar, en particular la de la torre de gas ahora abandonada. Como el propio autor dice, se inspiró en la increíble historia de la industria y la generación de energía. "Hay una serie de reliquias arquitectónicas que permanecen de esa época, y esa estética junto con la narración histórica me llevaron a los postes de electricidad" relata.
Su ubicación en el borde del río Támesis significa que la escultura se asienta sobre el telón del emblemático Millennium Dome de Londres y los restos de las torres enrejadas que una vez formaron las obras de gas más grandes de Europa
Además, cuenta que le entusiasma la idea de que, siendo Greenwich el centro del tiempo mundial, le interesa que la escultura se cruce con la línea meridiana principal, actuando como un reloj de sol gigante.
Fue una maravillosa obra de ingeniería que consiguió hacer que se mantuviera en pie una estructura de 1186 metros de acero que pesaba 15 toneladas y que tenía una altura de 35 metros.
Por su lado, los visitantes del festival podrán ver las sombras enrejadas cambiantes que la estructura proyecta sobre sus alrededores, al mismo tiempo que contemplan su compleja estructura.
Uniendo las distiplinas del arte, la arquitectura, el teatro y la ingeniería, la obra de este arquitecto es monumental en ambición e impacto, produciendo intervenciones contextualmente receptivas que animan el lugar en el que se encuentran.
Alex Chinneck se graduó en el Chelsea College of Art y es fideicomisario de la Royal British Society of Sculotors. Su trabajo ha sido presentado extensamente por medios internacionales con proyectos seleccionados que dan la bienvenida a más de un millón de visitantes.
3.14. 2016. SONRÍAN
En este penúltimo año, el festival no iba a ser menos que los años anteriores, contando con más de 400 eventos organizados por más de 280 organizaciones. La audiencia es cada año mayor, y cada vez de más países, algo que hace tan especial a este Festival, reuniendo diversidad de gente y culturas diferentes.
El estudio Glithero, que ha creado un enorme reloj abstracto, en medio del museo, compuesto por una cortina cilíndrica formada por 160 cuerdas de silicona multicolor. Estas cuerdas unidas a un brazo mecánico, que ejerce un movimiento parabólico sobre las cabezas de los visitantes. Su nombre es 'The Green Room'.
La instalación 'Forests', formada por tres jardines urbanos diseñados por el arquitecto Asif Khan para MINI LIVING. Esta obra triple situada en el barrio de Shoreditch, uno de los cuadrantes más efervescentes de la ciudad, trata de explorar la relación entre los espacios públicos y privados en el ámbito urbano. Se trata de pequeños oasis concebidos para mostrar una nueva visión de la urbe como una gran comunidad donde la gente se relaciona y conforma vínculos a través del intercambio de ideas.
Alison Brooks, que fundó en 1996 Alison Brooks Architects, ha desarrollado una reputación internacional por ofrecer excelencia en el diseño e innovación en proyectos que van desde la regeneración urbana, planificación maestra, edificios públicos para las artes, educación superior y vivienda. El Landmark Project llamado 'The smile' podría describirse como un objeto no identificado: un arco invertido de 34 m de largo y 3 m de altura colocado en el horizonte urbano. Su proyecto fue también un espectacular pabellón urbano que tomó la forma de una sonrisa, sus dos extremos diseñados como plataformas de observación que miraban hacia el cielo y se extendían a los edificios vecinos.
Construido completamente de tulipwood, The Smile creó un ambiente inmersivo que integraba estructura, superficie, espacio y luz. Sus dos brazos en voladizo descendientes parecían un balancín gigante, pero la estructura se equilibró con el trabajo de Arup, los ingenieros del proyecto, que lo construyeron a partir de madera laminada cruzada y utilizando madera dura.
4. EDICIÓN 2017. 15. ANIVERSARIO
La capital británica ha acogido este mes de Septiembre, por decimoquinto año consecutivo, el London Design Festival, que ha sido celebrado del 16 al 24.
Este año acoge una serie de exhibiciones, instalaciones, festivales comerciales y seminarios, totalizando un total de 427 eventos en toda la ciudad.
"London Design Festival es un evento fantástico que reúne a diseñadores de todo el mundo y subraya la posición de Londres como potencia cultural" dijo el alcalde de Londres.
En cuanto a este 15ºaniversario, sigue siendo una influencia flobal de Londres en el diseño y la arquitectura. Se pueden encontrar varios aspectos destacados en el Victoria & Albert Museum (V&A) como hace ya unos años, donde este año encontraremos Reflection Room, una experiencia de luces de colores del artista de iluminación Flynn Talbot y Transmission, una escultura ondulante e interactiva de 21,3 metros de largo construída con Alcantara (un material flexible y absorbente del sonido), del diseñador galés Ross Lovegrove.
Además del V & A, Los Landmark Projects Urban Cabin y Villa Walala del festival se pueden encontrar en el Oxo Tower Wharf Courtyard y Exchange Square en Broadgate. Urban Cabin, de mini Living y Sam Jacob Studio, es una microcasa que explora el uso creativo del espacio mientras que, Villa Walala de Camille Walala, es una instalación inflable que tiliza formas y colores audaces para introducir un sentido de lo inesperado al entorno.
Aquí os dejo el vídeo promocional de este año.
Además, os enlazo sus diferentes redes sociales para que podáis seguir sus últimas novedades;
4. EDICIÓN 2017
4.1. PROYECTOS LANDMARK
Como ya comentamos en una entrada anterior, en el London Design Festival comenzaron a surgir en 2007 lo que se han llegado a conocer como Proyectos Landmark. Estos han llegado a convertirse en una gran característica del festival. Consiste en encargar a los mejores diseñadores y arquitectos del mundo crear algo extraordinario, en respuesta a una variedad de estímulos, materiales, temas o ubicaciones.
Cuando hicimos el recorrido por todas las anteriores ediciones, ya destacamos alguno de estos proyectos. Aún así, aquí os vuelvo a dejar sus respectivos enlaces para que les volváis a echar un vistazo;
Respecto a esta edición del 2007, han sido dos los trabajos que han participado en este proyecto. El primero es conocido como Villa Walala, y se atribuye a la diseñadora textile Camila Walala. El segundo se titula Urban Cabin y ha sido creado por MiniLiving en colaboración con Sam Jacob Studio.
4.1.1. VILLA WALALA
En esta entrega vengo a presentaros el proyecto de Camila Walala para esta última edición del festival.
Se trata de una enorme estructura inflable, que se estableció en Exchange Square, en Broadgate, mediante la cual la diseñadora buscaba introducir, según sus propias palabras, "un sentido de los inesperado". Quería conseguir que la gente se quedase sorprendida al doblar la esquina y encontrarse una casa grande, hinchable, rosa y con dibujos tremendamente entretenidos, donde por supuesto estaría invitada a entrar y jugar.
La diseñadora imaginaba este espacio como un lugar donde los trabajadores podrían desahogarse durante las pausas de su trabajo, un sitio donde la gente que pudiese estar un poco estresada pudiese ir a pasar un rato relajante. La autora considera Exchange Square un "espacio de ruptura", es decir, un espacio donde las personas que trabajan en el campus tienen la oportunidad de tener un rato de relax. Por lo tanto, pensó que algo juguetón y tal vez incluso un poco infantil podría mejorar ese aspecto de la zona. Originalmente, quería crear una bola de estrés gigante o algo que se pudiese exprimir o apretar, pero resultó ser técnicamente imposible, por lo que su proyectó finalizó enfocándose hacia otra opción, en este caso hacia un hinchable gigante.
Sin duda alguna, hace alusión a los castillos hinchables donde jugábamos de pequeños, pero en este caso no cuenta con una base inflada. En cambio, se puede caminar a través de uno de sus cuatro arcos y tocar sus formas gigantes y suaves. Se compone de cuatro estructuras inflables tipo tótem que marcan las esquinas del cuadrado del césped.
La propia diseñadora cita al Grupo Memphis como una de sus principales influencias. Se trata de un movimiento de arquitectura y diseño industrial fundado por Ettore Sottsass con mucha influencia de los años 80 y que, en este caso, movimiento cuyo trabajo coleccionó el padre arquitecto de Camila Walala. Por lo tanto, siempre afirma que está entrelazado con los recuerdos de su infancia, que se ha sentido atraída por el uso de colores de bloque, las formas audaces y el toque de humor, lo que siempre le ha cautivado y se ha convertido en su mayor aspiración como artista.
Por otro lado, fue su madre, amante del arte africano, la que le presentó los patrones geométricos de la tribu Ndebele de Sudamérica y describe su propio estilo geométrico como "Tribal Pop". Es una estética que ella ha aplicado a todo "desde las paredes hasta los huevos de Pascua".
En cuanto al castillo hinchable, destacan sus colores primarios y los abundantes patrones. Se puede considerar una mezcla ente bloques de construcción descomunales y los asientos del ring de boxeo de Masanori Umeda para Memphis, con su borde blanco y negro y postes acolchados. Siguiendo el propio estilo de Walala, el material de vinilo está moldeado con una mezcla de rayas, círculos y bloques, en un total de siete colores diferentes. Se necesitaron 1.200m2 de vinilo para crear la instalación.
Las impresiones también se extienden para cubrir el pavimento por el que se puede circular con una combinación de rayas monocromas y coloridas diagonales.
Para este trabajo, Camila Walala ha obtenido la estrecha colaboración de la empresa gráfica Go Visual, con quien ha logrado traducir sus ilustraciones y conceptos de forma y escala en esta estructura tridimensional.
Este ha sido el primer proyecto inflable de la diseñadora. Lo que ella pretendió desde el principio fue lograr un sorprendente contraste con el contexto arquitectónico de la zona, algo colorido y lúdico que hiciese que la gente se detuviese y sonriera.
Camille Walala fue graduada en diseño textil por la Universidad de Brighton, y estableció su propia marca en el este de Londres en 2009. Define su estilo como Tribal Pop, partiendo de la geometría, los patrones y los colores brillantes, y presentando una ilimitada energía que funciona a la perfección para espacios sociales e históricos: "cuanto más grande, mejor". Además de las influencias mencionadas anteriormente, entre las cuales encontrábamos el grupo Memphis o la tribu Ndebele, también encontramos al maestro de arte óptico Vasarely. Su trabajo le da vida a los objetos y espacios más grises y aburridos, las zonas más abandonadas de la ciudad y a las calles más antiguas. Donde pinta deja, sin duda, su paso de energía y vitalidad, llenando todo donde actúa de verdaderos festivales de color.
Los textiles, la ilustración y el muralismo son su especialidad, desde que de pequeña se enamoró de los colores y los patrones. Inició su carrera como diseñadora textil pero, ante la belleza de su obra, un empresario le pidió darle vida a un muro que se encontraba en el interior de su centro nocturno, proporcionándole lo necesario para hacerlo. Aun aceptando ese proyecto muy asustada, se acabó dando cuanta de que era lo que quería hacer. Después de eso, su carrera despegó y empezó a colaborar con grandes marcas como Converse, Facebook y Caterpillar.
Hoy tiene más de 80 mil seguidores en Instagram donde, además de compartir su obra, también nos muestra sus viajes por el mundo.
Por otro lado, en su conferencia "The bigger the better" (de la cual os dejo aquí el enlace), nos haba sobre sus principales influencias y su proceso creativo, además de las convergencias que hay entre las diferentes disciplinas que encontramos en su trabajo.
Cabe mencionar la colección de accesorios para el hogar creada en 2015 y lanzada por primera vez en este festival londinense. Esta colección modelada con gráficos audaces está influenciada por el grupo Memphis, siendo este una referencia clave para su proyecto. Sin duda, los diseños e impresiones de muebles de los miembros de este grupo se convirtieron en sinónimo del movimiento posmoderno en la década de 1980, y los coloridos y geométricos diseños de Walala continúan una estética similar. Su colección incluye, en este caso, una gama de cojines, impresos con una paleta de colores que incluyen negro, blanco, rojo, azul y verde. Los puntos y rayas rellenan los bloques de colores, mientras que las rayas diagonales y cuadriculas cuadradas se suman a los diseños geométricos. Los puffs con forma de cubo llevan patrones de rayas, cuadriculados y rayas en varias combinaciones en los diferentes lados. En los estantes montados en la pared, los bordes negros enmarcan patrones similares aplicados a las superficies posteriores.
Aquí os dejo los links, tanto a su página web oficial como a su cuenta de Instagram.
Investigando entre sus proyectos, quiero destacar brevemente los que me han llamado especial atención.
A principios de este año, utilizó su estilo colorido característico para crear un laberinto dentro de la galería Now de Londres. Era un espacio imaginado como un patio de recreo, donde los visitantes podían "dar rienda suelta a su niño interior". Las paredes que formaban el laberinto estaban cubiertas por diseños geométricos audaces, espejos y tonos brillantes. Este laberinto se creó con paredes de diferentes alturas, pasillos de diferentes anchos, espacios cerrados y caminos curvos y en zigzag, donde se pone de relieve la idea de la escala humana, dando a los visitantes una impresión visual duradera y una experiencia física extraordinaria a medida que la atraviesan. Los detalles y patrones que encontramos dentro también se van modificando sutilmente durante la instalación. De este modo, los visitantes tentrán el desafió de encontrar estas nuevas incoherencias, como si estuvieran en un juego de detectar las diferencias.
Otro de sus proyectos que quiero destacar es la intervención que hizo en uno de los edificios de Londres. Se trata de un edificio que se encuentra cerca de la estación de Old Street; una zona que, aunque se encuentra en una de las partes más creativas de la ciudad, los edificios que rodean la estación son, por lo general, gigantes bloques aburridos. Fue ese el motivo por el cual Walala quiso intervenir en uno de ellos y rendir en él un completo homenaje a la creatividad y el color con su obra "Dream Come True" para la empresa de postproducción creativa Splice. Es la pieza más grande que la artista ha tomado hasta ahora, y ha logrado un resultado espectacular. El edificio fue transformado de un simple bloque negro a una obra de arte llamativa y colorida, y Walala habla felizmente de la increíble respuesta que el proyecto ha recibido de la gente de la calle. El desafió que Walala tuvo en este caso fue resolver la unión de sus estampados con las ventanas, dado que no podía pintar en ellas ni en las piezas de metal. Para ello, se ayudó de la buena yuxtaposición de los zigzags gráficos y los campos de color turquesa contra las ventanas negras. Finalmente, la artista añadió su propia firma en la parte inferior del edificio.
Aquí os dejo un interesante video sobre la colocación de sus estampados.
Finalmente, aquí os muestro un pequeño recorrido entre otros de sus trabajos:
That's all I want
Georgina's happy house. Londres, Septiembre 2013
Living the dream. Melbourne, Abril 2014
Walala for Caterpillar. Colecciñon AW14
Walala Wall. Shoreditch. Londres, Julio 2013
Super Mario Pop Up dinner. Londres, Noviembre 2012
Xoyo Club. Londres, Marzo 2012
4.1.2. URBAN CABIN
Siguiendo con los dos Proyectos Landmark del Festival de Diseño de Londres de este año, de los cuales del primero ya hablé en una entrada anterior (villa walala), vengo a presentaros el trabajo "Urban Cabin" instalado en el patio de Oxo Tower Wharf.
El arquitecto y diseñador británico Sam Jacob se asoció con MINI LIVING para crear una "cabina urbana" durante este festival de diseño. Se trata de una especie de refugio urbano que ofrece a los visitantes un espacio para investigar y relajarse durante el festival.
MINI LIVING es un proyecto de investigación que la empresa de automóviles MINI ha llevado a cabo. Es una traducción de uno de sus principios clave, el uso creativo del espacio, en este caso en nuevas soluciones para hábitats urbanos. Buscan responder nuevos desafíos de una manera que combine sus conocimientos de diseño con el espíritu de la experiencia y la diversión.
Este proyecto en concreto se propone abordar un tema importante en las metrópolis actuales. Ciudades populares como Londres, Nueva York o Shanghái se enfrentan a una sobrepoblación que tiene un problema el suministro de viviendas. Este proyecto propone, por tanto, crear Urban Cabins (cabinas urbanas) específicamente adaptadas para cada una de estas ciudades, siendo Londres la primera de este proyecto.
El propósito de The Urban Cabin es crear una casa con espacio limitado inspirado en el entorno local; una cabina que se funde con el paisaje de Londres, con una ciudad que incorpora influencias culturales de todo el mundo, que combina edificios antiguos e históricos y sitios culturales con estructuras modernas e innovación.
La cabina demuestra, por tanto, cómo trabajar creativamente con espacio limitado. MINI LIVING cree que el uso creativo del espacio es clave para encontrar nuevos enfoques para las ciudades que amamos. En un mundo diseñado cada vez más genérico, confiamos en convertir los espacios en lugares.
Esta cabina urbana de 15m2 está diseñada para un futuro cuando los hogares se conviertan en un recurso compartido.
El diseño interior de la cabina se basa en necesidades muy específicas y culturales. La cocina y la micro biblioteca han sido diseñadas por el arquitecto local Sam Jacob, quien implementó su visión sobre lo que Londres podría necesitar.
Sam Jacob es el director de Sam Jacob Studio y profesor de arquitectura en la Universidad de Illinois en Chicago. Este arquitecto con sede en Londres es, además, columnista de Dezeen. Sus otros proyectos recientes incluyen un mausoleo emergente en el cementerio de Highgate y un refugio de refugiados en Venecia.
En el caso de este proyecto, el arquitecto local tenía dos tareas: la primera era diseñar una cocina, porque desde MINI pensaban que se podían ver mejor las diferencias culturales desde la cocina (cómo se reúnen las personas, qué y cómo cocinan...). La cocina compartida simboliza, además, la importancia de los mercados de alimentos en la cultura moderna.
La segunda tarea era pensar en lo que realmente es único o lo que falta en su ciudad o lo que ellos creen que es un problema. Frente a esto, Jacob creó una micro-biblioteca que tiene como objetivo proporcionar a los londinenses un espacio de investigación. En este caso, hace hincapié a la importancia de preservar los espacios públicos para que las personas puedan leer, haciendo alusión a la disminución del número de bibliotecas públicas que se han enfrentado al cierre tras los recortes de fondos. En un intento por resucitar la biblioteca como un espacio para aprender, pedir prestado y conocer gente, trajeron una mezcla de libros de diseño moderno y clásicos atemporales que reflejaban los últimos 400 años de la vida de Londres, entre los cuales podemos ver todo tipo de libros relacionados con esta, desde Mary Poppins hasta textos del director del Museo de Diseño, Deyan Sudjic. Cuando la instalación concluyó, todos los libros recibieron una nueva vida en las tiendas de caridad, colegios y bibliotecas públicas de toda la ciudad.
El propio autor nos recalca lo importantes que son los libros en la vida de las personas, ya que nos hacen ver la personalidad de cada uno y qué tipo de personas somos depende del tipo de libros que tenemos en los estantes de nuestras casas. Afirma que Londres no es una historia escrita por una sola persona, sino que se asemeja más a una biblioteca.
La biblioteca está hecha de una variedad de materiales apilados como estanterías. El terrazo forma la base, mientras que otras capas están hechas de espuma expansiva y acrílico translúcido. Su idea era que estuviese construida de la misma manera que las estanterías, por lo que Jacob apiló los materiales como si fuesen libros. Es un espacio que comienza resultando más sólido y se vuelve más transparente a medida que aumenta. Las texturas rugosas de la biblioteca de Jacob ofrecen un marcado contraste con el exterior de la cabina, que está cubierta con paneles de cobre y malla de cobre, para proporcionar reflejos del entorno.
Un corte en diagonal en el piso de madera separa este espacio, en el cual podemos encontrar una hamaca que cuelga debajo de una claraboya donde los residentes pueden leer mientras disfrutan de las vistas al exterior a través de lamas plegables, del espacio de la cocina. Jacob hizo además otras adaptaciones a la pequeña residencia. Por ejemplo, una mesa se pliega en la parte trasera para formar un comedor informal al aire libre, en homenaje a los mercados de alimentos de la ciudad.
Con esta primera representación en el London Design Festical, MINI LIVING tuvo como objetivo inspirar a las personas a crear su propio estilo de vida personal en medio de la ciudad en la que viven. A partir de esta intervención y del éxito logrado, se han creado algunas cabinas urbanas más.
Una de ellas que exhibió en Nueva York durante Archtober (mes de arquitectura y diseño). En este caso, el encargado de este proyecto en Greenwich Village fue la agencia joven Bureau V.
La cabina ha sido creada como un modelo para una pequeña sala de estar. Es una instalación itinerante diseñada para ser adaptada por diferentes diseñadores y arquitectos de todo el mundo. Se trata de un espacio donde, con la colaboración de Bureau V, se ha añadido una cocina y una habitación amarilla dentro de la estructura cuadrada.
La cabina representa un espacio abierto que ofrece un nuevo hogar en un lugar nuevo. Un lugar de inspiración y urbanización. El propósito de este proyecto era crear una de la cabina que hiciese referencia a la ciudad de la Nueva York como una ciudad energizada y enriquecida por el aporte de generaciones sucesivas de inmigrantes. De este modo, querían que estuviese diseñada para explorar lo que el concepto de hogar significa para un inmigrante.
Por ello, además de ofrecer refugio, esta cabina de Nueva York proporciona valiosos recursos de información para los inmigrantes de la ciudad. Para acceder a esta información, nos encontramos con una biblioteca colgante ingeniosamente diseñada para ahorrar espacio y dinero que ha sido establecida mediante un sistema de cuerdas y poleas que recuerda a los sistemas de descarga de los antiguos astilleros de la ciudad.
Mientras tanto, dentro de las dos extensiones de Bureau V, predominan colores alegres, mientras que los materiales duros y blandos se voltean para crear efectos estructurales contrastantes. El metal pulido de las paredes de la cocina puede hacer referencia a las del comedor cálsico estadounidense, pero en este caso las superficies duras están en el interior y no en el exterior. Del mismo modo, el exterior de la "sala de experiencias" del proyecto presenta una fachada puntiaguda.
La fachada utiliza vidrio acrílico iridiscente y sus colores cambian con cada movimiento; se trata del ángulo de visión. Sin duda, una de las característica dominante de la cabina es un cómodo color amarillo brillante, que también podemos encontrar en los revestimientos metálicos puntiagudos del exterior.
El interior de la cabina es un lugar de inspiración, un lugar para descansar en medio de todo. El área con la hamaca puede abrirse al público y actuar como un pequeño jardín. En su condición cerrada, brinda privacidad rodeada de plantas y el sol entra por las coloridas ventanas.
Cuando se ve junto con su interior acogedor, la cabina se convierte en una metáfora de las primeras impresiones de muchas personas de una ciudad, donde "el diseño puede ayudar a que una ciudad exteriormente hostil y poco atractiva como Nueva York se convierta en un lugar acogedor para nuevas personas" explican los artistas.
Por otro lado, entre los últimos trabajos de este proyecto quiero destacaros el MINI LIVING de Shanghai.
Shanghai es un gran ejemplo de como, a medida que la urbanización continúa ganando terreno, los espacios de vida atractivos en las grandes ciudades son cada vez más escasos. De hecho, más personas que nunca viven dentro de un espacio cada vez menor.
Con MINI LIVING, MINI aborda estos desarrollos y crea el primer proyecto de convivencia en China. Su propósito es trasformar un complejo industrial en una iniciativa de convivencia múltiple compuesta por apartamentos, espacios de trabajo y ofertas culturales y de ocio. Para cumplir esta propuesta, programada para comenzar sobre estas fechas de fin de año, tendrá colaboración del desarrollador chino de proyectos Nova Property Investment Co.
Siguiendo con el lema de la marca "uso creativo del espacio", se ofrecerá la máxima calidad de vida posible en una antigua fábrica. El proyecto en esta ciudad se basa en un concepto innovador de convivencia. En este caso, un grupo de seis edificio será el que se convierta en un vibrante vecindario urbano. Será un hogar para solteros, personas en pareja y familias a corto, mediano y largo plazo. El diseño y, por tanto, el carácter de los interiores de los apartamentos es internacional, moderno y limpio, y presenta referencias a la historia de Shanghai.
También se ofrece un espacio para experimentar en comunidad. Los vestíbulos de tamaño generoso brindan un excelente lugar para pasar el rato, mientras que las áreas de exhibición y el mercado de alimentos invitan a mirar más de cerca. Las instalaciones disponibles también incluyen jardines, áreas de juego, tiendas y restaurantes, a los que también podrán acceder las personas que viven en otros lugares de Shanghái. MINI LIVING desea fomentar la interacción social, no solo entre los propios residentes, sino también entre personas de otras partes de la ciudad.
Además del espacio en sí, el proyecto también comprende servicios adicionales a los que se puede acceder digitalmente. Por ejemplo, los residentes pueden hacer reservas en restaurantes, reservar habitaciones y servicios de limpieza, pedir comida y opciones de movilidad de alquiler.
4.2. PROYECTOS VICTORIA AND ALBERT MUSEUM
Por otro lado, fue su madre, amante del arte africano, la que le presentó los patrones geométricos de la tribu Ndebele de Sudamérica y describe su propio estilo geométrico como "Tribal Pop". Es una estética que ella ha aplicado a todo "desde las paredes hasta los huevos de Pascua".
Para este trabajo, Camila Walala ha obtenido la estrecha colaboración de la empresa gráfica Go Visual, con quien ha logrado traducir sus ilustraciones y conceptos de forma y escala en esta estructura tridimensional.
Camille Walala fue graduada en diseño textil por la Universidad de Brighton, y estableció su propia marca en el este de Londres en 2009. Define su estilo como Tribal Pop, partiendo de la geometría, los patrones y los colores brillantes, y presentando una ilimitada energía que funciona a la perfección para espacios sociales e históricos: "cuanto más grande, mejor". Además de las influencias mencionadas anteriormente, entre las cuales encontrábamos el grupo Memphis o la tribu Ndebele, también encontramos al maestro de arte óptico Vasarely. Su trabajo le da vida a los objetos y espacios más grises y aburridos, las zonas más abandonadas de la ciudad y a las calles más antiguas. Donde pinta deja, sin duda, su paso de energía y vitalidad, llenando todo donde actúa de verdaderos festivales de color.
Los textiles, la ilustración y el muralismo son su especialidad, desde que de pequeña se enamoró de los colores y los patrones. Inició su carrera como diseñadora textil pero, ante la belleza de su obra, un empresario le pidió darle vida a un muro que se encontraba en el interior de su centro nocturno, proporcionándole lo necesario para hacerlo. Aun aceptando ese proyecto muy asustada, se acabó dando cuanta de que era lo que quería hacer. Después de eso, su carrera despegó y empezó a colaborar con grandes marcas como Converse, Facebook y Caterpillar.
Hoy tiene más de 80 mil seguidores en Instagram donde, además de compartir su obra, también nos muestra sus viajes por el mundo.
Por otro lado, en su conferencia "The bigger the better" (de la cual os dejo aquí el enlace), nos haba sobre sus principales influencias y su proceso creativo, además de las convergencias que hay entre las diferentes disciplinas que encontramos en su trabajo.
Aquí os dejo los links, tanto a su página web oficial como a su cuenta de Instagram.
Investigando entre sus proyectos, quiero destacar brevemente los que me han llamado especial atención.
A principios de este año, utilizó su estilo colorido característico para crear un laberinto dentro de la galería Now de Londres. Era un espacio imaginado como un patio de recreo, donde los visitantes podían "dar rienda suelta a su niño interior". Las paredes que formaban el laberinto estaban cubiertas por diseños geométricos audaces, espejos y tonos brillantes. Este laberinto se creó con paredes de diferentes alturas, pasillos de diferentes anchos, espacios cerrados y caminos curvos y en zigzag, donde se pone de relieve la idea de la escala humana, dando a los visitantes una impresión visual duradera y una experiencia física extraordinaria a medida que la atraviesan. Los detalles y patrones que encontramos dentro también se van modificando sutilmente durante la instalación. De este modo, los visitantes tentrán el desafió de encontrar estas nuevas incoherencias, como si estuvieran en un juego de detectar las diferencias.
Aquí os dejo un interesante video sobre la colocación de sus estampados.
Finalmente, aquí os muestro un pequeño recorrido entre otros de sus trabajos:
That's all I want
Georgina's happy house. Londres, Septiembre 2013
Living the dream. Melbourne, Abril 2014
Walala for Caterpillar. Colecciñon AW14
Walala Wall. Shoreditch. Londres, Julio 2013
Super Mario Pop Up dinner. Londres, Noviembre 2012
Xoyo Club. Londres, Marzo 2012
El propio autor nos recalca lo importantes que son los libros en la vida de las personas, ya que nos hacen ver la personalidad de cada uno y qué tipo de personas somos depende del tipo de libros que tenemos en los estantes de nuestras casas. Afirma que Londres no es una historia escrita por una sola persona, sino que se asemeja más a una biblioteca.
La biblioteca está hecha de una variedad de materiales apilados como estanterías. El terrazo forma la base, mientras que otras capas están hechas de espuma expansiva y acrílico translúcido. Su idea era que estuviese construida de la misma manera que las estanterías, por lo que Jacob apiló los materiales como si fuesen libros. Es un espacio que comienza resultando más sólido y se vuelve más transparente a medida que aumenta. Las texturas rugosas de la biblioteca de Jacob ofrecen un marcado contraste con el exterior de la cabina, que está cubierta con paneles de cobre y malla de cobre, para proporcionar reflejos del entorno.
Un corte en diagonal en el piso de madera separa este espacio, en el cual podemos encontrar una hamaca que cuelga debajo de una claraboya donde los residentes pueden leer mientras disfrutan de las vistas al exterior a través de lamas plegables, del espacio de la cocina. Jacob hizo además otras adaptaciones a la pequeña residencia. Por ejemplo, una mesa se pliega en la parte trasera para formar un comedor informal al aire libre, en homenaje a los mercados de alimentos de la ciudad.
Una de ellas que exhibió en Nueva York durante Archtober (mes de arquitectura y diseño). En este caso, el encargado de este proyecto en Greenwich Village fue la agencia joven Bureau V.
La cabina ha sido creada como un modelo para una pequeña sala de estar. Es una instalación itinerante diseñada para ser adaptada por diferentes diseñadores y arquitectos de todo el mundo. Se trata de un espacio donde, con la colaboración de Bureau V, se ha añadido una cocina y una habitación amarilla dentro de la estructura cuadrada.
La cabina representa un espacio abierto que ofrece un nuevo hogar en un lugar nuevo. Un lugar de inspiración y urbanización. El propósito de este proyecto era crear una de la cabina que hiciese referencia a la ciudad de la Nueva York como una ciudad energizada y enriquecida por el aporte de generaciones sucesivas de inmigrantes. De este modo, querían que estuviese diseñada para explorar lo que el concepto de hogar significa para un inmigrante.
Por ello, además de ofrecer refugio, esta cabina de Nueva York proporciona valiosos recursos de información para los inmigrantes de la ciudad. Para acceder a esta información, nos encontramos con una biblioteca colgante ingeniosamente diseñada para ahorrar espacio y dinero que ha sido establecida mediante un sistema de cuerdas y poleas que recuerda a los sistemas de descarga de los antiguos astilleros de la ciudad.
La fachada utiliza vidrio acrílico iridiscente y sus colores cambian con cada movimiento; se trata del ángulo de visión. Sin duda, una de las característica dominante de la cabina es un cómodo color amarillo brillante, que también podemos encontrar en los revestimientos metálicos puntiagudos del exterior.
El interior de la cabina es un lugar de inspiración, un lugar para descansar en medio de todo. El área con la hamaca puede abrirse al público y actuar como un pequeño jardín. En su condición cerrada, brinda privacidad rodeada de plantas y el sol entra por las coloridas ventanas.
Cuando se ve junto con su interior acogedor, la cabina se convierte en una metáfora de las primeras impresiones de muchas personas de una ciudad, donde "el diseño puede ayudar a que una ciudad exteriormente hostil y poco atractiva como Nueva York se convierta en un lugar acogedor para nuevas personas" explican los artistas.
Por otro lado, entre los últimos trabajos de este proyecto quiero destacaros el MINI LIVING de Shanghai.
Shanghai es un gran ejemplo de como, a medida que la urbanización continúa ganando terreno, los espacios de vida atractivos en las grandes ciudades son cada vez más escasos. De hecho, más personas que nunca viven dentro de un espacio cada vez menor.
Con MINI LIVING, MINI aborda estos desarrollos y crea el primer proyecto de convivencia en China. Su propósito es trasformar un complejo industrial en una iniciativa de convivencia múltiple compuesta por apartamentos, espacios de trabajo y ofertas culturales y de ocio. Para cumplir esta propuesta, programada para comenzar sobre estas fechas de fin de año, tendrá colaboración del desarrollador chino de proyectos Nova Property Investment Co.
También se ofrece un espacio para experimentar en comunidad. Los vestíbulos de tamaño generoso brindan un excelente lugar para pasar el rato, mientras que las áreas de exhibición y el mercado de alimentos invitan a mirar más de cerca. Las instalaciones disponibles también incluyen jardines, áreas de juego, tiendas y restaurantes, a los que también podrán acceder las personas que viven en otros lugares de Shanghái. MINI LIVING desea fomentar la interacción social, no solo entre los propios residentes, sino también entre personas de otras partes de la ciudad.
Además del espacio en sí, el proyecto también comprende servicios adicionales a los que se puede acceder digitalmente. Por ejemplo, los residentes pueden hacer reservas en restaurantes, reservar habitaciones y servicios de limpieza, pedir comida y opciones de movilidad de alquiler.
Como ya hemos dicho y explicado en todas las ediciones anteriores, el museo Victoria & Albert es uno de los lugares más emblemáticos de Londres, y también lo es para este gran festival. El museo recoge cada año numerosos proyectos de grandes diseñadores, y es uno de los sitios preferidos y más visitados durante el festival.
Es un sitio perfecto, en el que se fusionan arte y diseño, y que miles de personan de diferentes países y culturas disfrutan de ellos.
4.2.1. REFLECTION ROOM
Flynn Talbot (1981) es un artista y diseñador de iluminación australiano con sede en Londres, Reino Unido. Talbot crea instalaciones de iluminación y piezas encargadas para galerías y edificios únicos junto con productos de iluminación innovadores para producción en serie.
El punto de partida de Talbot es siempre el mismo para cada proyecto. Comienza con la consideración del "efecto de luz" y construye cada proyecto a su alrededor. Cada decisión y detalle se toma teniendo en cuenta la calidad de la luz y la conexión del usuario. Talbot no cree en estar limitado por el estilo, el material o la forma. Este método crea una calidad intemporal y un fuerte punto de diferencia en su trabajo.
Reflection Room fue una experiencia inmersiva de luz de colores. Fue la primera instalación del London Design Festival en la Galería Prince Consort. El espacio abovedado se encendió en cada extremo para resaltar y definir la dramática longitud de 35 m de la galería, la estructura del techo y los visitantes de la instalación. Se iluminó con la firma de iluminación azul y naranja complementaria de Talbot, y se usaron grandes paneles negros Barrisol reflectantes para ampliar el ancho del espacio, ofreciendo una vista fragmentada de colores cambiantes, reflejos facetados y luz.
"Concebí la idea de estar de pie en la galería, y quería agregar mi historia en la parte superior de la hermosa arquitectura existente, pero no para asumir el control. Quería agregar a su belleza y exhibir de una manera nueva con una vista abstracta de los gabinetes existentes y la increíble estructura del techo. Con todo mi trabajo, quiero crear nuevas experiencias usando la luz que crea una conexión entre las personas y el lugar ". Decía Talbot.
Refection Room utiliza 56 paneles Barrisol de membrana elástica hechos a medida en negro brillante. Entre los paneles, en cada extremo de la sala, había tiras de LED naranja y azul, una combinación de colores que se ha convertido en una especie de firma para Talbot, que sigue creyendo que "crea una cierta magia".
Aquí os dejo un vídeo donde podéis ver la explicación del proyecto. Reflection Room
4.2.2.TRANSMISION
Ross Lovegrove Nacido en 1958 en Cardiff, Gales. Egresado de la Escuela Politécnica de Manchester con el 1er diseño industrial de clase BA Hons en 1980. Máster en Diseño de Royal College of Art, Londres en 1983. Es un diseñador y visionario cuyo trabajo se considera en el vértice de la estimulación de un cambio profundo en el aspecto físico de nuestro mundo tridimensional. Inspirado por la lógica y la belleza de la naturaleza, su diseño posee una trinidad entre la tecnología, la ciencia de los materiales y la forma orgánica inteligente, creando lo que muchos líderes industriales ven como la nueva expresión estética del siglo XXI. Siempre ha incorporado un enfoque profundamente humano e ingenioso a sus diseños, que proyectan un optimismo y una vitalidad innovadora en todo lo que toca, desde cámaras hasta automóviles, trenes, aviación y arquitectura.
La transmisión de Ross Lovegrove era una escultura suave y ondulante que serpenteaba por el centro de V & A's Tapestries Gallery. Sus pliegues fueron inspirados por el vestido rojo, forrado con minivestido, usado por una dama en una de las escenas de caza exhibidas en la habitación oscura. Como la pieza independiente de 21 metros de largo dividió el espacio, su forma serpentina enmarca nuevas y sorprendentes vistas de los tapices del siglo XV.
La instalación fue creada utilizando Alcántara, un material táctil, absorbente del sonido y flexible que, según Lovegrove, fue "un gran anfitrión para la impresión gráfica y el bordado digital de mi instalación". Estaba veteada con hilos de oro y plata, que creaban un patrón ornamental de más de 2 millones de motas que corrían a lo largo del borde de la escultura, brillando en la luz dramática de la galería y reflejando las ricas escenas de riqueza y moda aristocrática representadas en la pared medieval tapices.
El trabajo de Lovegrove, como él lo expresó, "a menudo alterna conceptualmente entre el diseño y el arte". Invitó a los visitantes a usar y tocar su escultura, en una subversión de la experiencia habitual del museo.
En este vídeo podréis ver la explicación de este proyecto. Trasnmission.
4.3. MEDALLAS 2017
Siguiendo con nuestro trabajo de investigación, llegamos a un apartado al cual vimos necesario hacer mención desde el momento que elegimos esta propuesta. Se trata del apartado de las medallas otorgadas en el London Design Festival, en concreto este año 2017.
Las Medallas del London Design Festival se iniciaron hace once años, con el propósito de rendir homenaje anualmente a los diseñadores que están haciendo, o han hecho, una aportación significativa en nuestras vidas a través de su innovación, originalidad e imaginación. Originalmente se ofrecía una sola medalla, "The Medal", pero actualmente existen cuatro medallas individuales: London Design Medal, Emerging Talent, Design Innovation y Lifetime Archivement.
El festival encargó a la diseñadora de joyas con sede en Londres, Hannah Martin, la creación de un premio único para la celebración. Hannah es la Directora Creativa de Hannah Martin London. Graduada de Central Saint Martins, Martin fundó la marca en 2005 después de su regreso a Londres desde París, donde trabajó con uno de los nombres más reconocidos internacionalmente en joyería fina.
Hannah se acercó al diseño y la fabricación de las Medallas como si fuera una joya. Dedicó la misma atención a construir y producir estas medallas, para las cuales usó el mismo proceso altamente calificado de modelismo, tallado a mano, ambientación, pulido y marcado. "En las conversaciones iniciales con London Design Festival y Pentagram, hablamos mucho sobre Londres, qué significaba Londres y cómo se podía representar. La idea de un pájaro en vuelo se vinculó con la sensación de libertad, de pensamiento y una sensación de poder volar a grandes alturas" cuenta Hannah Martin.
Por tercer año consecutivo, se presentó una exposición con el trabajo de los cuatro ganadores. Esta fue expuesta en el Victoria & Albert Museum bajo el nombre de "Medal Exhibition", e ilustró la amplitud del trabajo y la escala de logros de los cuatro artistas.
4.3.1. MEDALLA DISEÑO PANERAI
En este caso, vamos a hablar sobre una de las ganadoras, Es Devlin, que fue galardonada con "Panerai London Design Medal", recompensa otorgada a un individuo que ha demostrado excelencia constante en el diseño.
Devlin es una diseñadora británica nacida en el suburbio londinense de Kingston-upon-Thames que ha sido considerada una de las escenógrafas más solicitadas del mundo. Además, crea esculturas cinéticas en ópera, danza, teatro, música... Sus primeras obras fueron en Londres, en pequeños teatros experimentales, entre los cuales se encuentran The Bush y The Gate.
En el transcurso de su carrera, que comenzó cuando tomó un curso de arte básico en Central Saint Martins, ha producido telones de fondo para artistas como Beyoncé, Kanye West, U2, Jay Z, Adele y Weeknd.
También diseñó sets de desfiles para personajes como Louis Vuitton , creó un laberinto de espejos perfumado para Channel en Londres y trabajó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Río.
Aquí os traigo dos enlaces, uno que os llevará a un documento donde podréis ver todos sus trabajos en diferentes disciplinas. El segundo os conducirá al trailer de un pequeño documental donde se puede conocer más su historia y su trabajo.
Entre sus colaboraciones, hay una que ha tenido especial controversia. Se trata de una actuación que hizo a principios de año para una actuación de la artista Katy Perry para los premios Grammy, donde incluyó una valla que se convirtió en un muro, haciendo referencia a la barrera que Trump tenía intención de construir entre stados Unidos y México.
Cada año, el V & A Museu, le encarga a un diseñador que cree un árbol de navidad para la gran entrada del museo. A lo largo de los años, han evolucionado desde árboles reales profusamente decorados hasta otros que nada tenían que ver con lo tradicional. En su caso, Es Devlin expuso "The Singing Tree", del cual os dejo aquí el making off.
Se trata de una instalación que cobra vida a través de las miles de palabras recogidas del público. Durante la temporada de Navidad, los visitantes pueden contribuir aportando palabras que se transformarán en un villancico audiovisual. Cada una de esas palabras aparecía uno de los miles de pequeños tableros de contrachapado de abedul que colgaban sobre cables de acero, desde la parte de arriba hasta la parte de abajo de la estructura.
Tuvieron 4 horas para instalarlo todo, lo que supuso un gran reto puesto que tenían que enfocar de una manera muy precias el proyector mientras dividían los píxeles para conseguir que las palabras se reflejasen en todos los paneles.
En ellos aparecían los pequeños mensajes que habían recogido del público, los cuales luego se convertían en voces. Por lo tanto, las palabras son transformadas en un algoritmo de sonido que luego se convierte en una especie de coro creado por un máquina.
El árbol de Navidad iluminado, por tanto, estará acompañado por un coro interactivo de voces sintetizadas y mensajes de los propios visitantes.
Aun así, para que consigáis entender mejor este proyecto, aquí os dejo un corto vídeo de su instalación.
Esta es la exposición que más la relaciona con el festival debido a que ha sido expuesta en uno de los museos que colabora con este. Aún así, como habéis podido leer, esta artista tiene un gran trayectoria, a mi parecer muy interesante, por lo que he visto conveniente hacer un recorrido por algunas de sus obras para que podáis tener una visión más general de su trabajo. No obstante, he seleccionado, entre sus tantas intervenciones, las que he considerado más interesantes.
Para el desfile de la colección Cruise Collection de Louis Vuitton, Devlin creó un camino curvo alrededor del Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, diseñado por Oscar Niemeyer. Los visitantes pudieron caminar a lo largo de caminos que transcurrían a lo largo de la retorcida rampa roja de acceso al museo, a través de bancos de hormigón permanentes y asientos temporales en su patio delantero, y luego alrededor de la parte inferior del edificio circular.
Para el escenario de la gira mundial de The Weeknd Starboy: Legend of The Fall tour, creó un avión gigante con la semejante forma a un avión de papel de origami. Se convirtión en una gigantesca estructura puntiaguda que sobresalía en todo el escenario iluminándose y plagándose en diferentes formas para sugerir el movimiento del avión. El diseño pretende connotar lo analógico y lo futurista, al igual que la musica de The Weeknd.
La estructura de armadura de aluminio de la nave está cubierta con una tela gris que se proyecta en todo momento. Las proyecciones están asignadas a la estructura por Tait Towers, una empresa de tecnología y espectáculos en vivo. Se introducen otros efectos a través de las tiras de luz VDO Sceptron que delineaban la forma del avión, y a través de una plataforma de iluminación que colgaba debajo de ella.
Para la ópera Carmen, en el festival de Bregenz Fetspiele (Austria), creó un telón de fondo escultural con un par de manos de 25 metros de altura que sostenían una baraja de cartas. El diseño está inspirado en una secuencia de la ópera durante la cual Carmen lee su fortuna y arroja las cartas al aire, preparadas para cualquier dirección desconocida que tomarían mientras caen. Algunas de estas cartas aparentas haberse caído sobre la plataforma donde se desarrolla la acción. Tiene un detalle afinadísimo en la decoración. Las manos, que en este caso serían las de carmen, tienen las uñas pintadas de rojo, pero el esmalte parece desgastado en las puntas. En un brazo tiene una cicatriz y en el otro un tatuaje de una roja. En una de las manos podemos ver que lleva un anillo, mientras que con la otra sostiene un cigarrillo casi consumido cuya ceniza se alumbra y humea durante toda la representación.
Aquí os dejo además un vídeo donde la propia Es Devlin explica el proyecto .
En 2016, trabajó junto a la casa de moda francesa Chanel y la revista iD para crear una instalación aromatizada llamada Mirror Maze, que se construyó en un antiguo polígono insdustrial que ahora se utiliza como estudios de artistas en el sureste de Londres .
Se trataba de un laberinto de espejos que estaba perfumado con un aroma exclusivo de Chanel. Como generalmente las instalaciones de esta artista están hechas para que el público las disfrute desde fuera, en este caso quisi cambiar su forma de trabajo y hacer que el visitante pudiese acceder a su pieza de arte.
Mirror Maze evoca a un mundo interior, desarrollado en cuatro cámaras e inspirado en el papel que desempeá la fragancia en evocar recuerdos, emociones y asociaciones.
Al igual que sus escenarios, Devlin diseñó la instalación para ofrecer a los visitantes una experiencia única y estuvo abierta únicamente 5 días.
Para mi personalmente es la intervención que más me ha llamado la atención por su complejidad, y os recomiendo que le echéis un vistazo a este vídeo para que os hagáis a la idea de los impresionante que ha podido llegar a ser este proyecto.
Finalmente, vengo a mostraros uno de sus trabajos que realizó para un escenario en 2011, en este caso para el artista Kayne West. Este artista conoció por primera vez el trabajo de Devlin cuando vio imágenes de la instalación que había creado para la banda de punk Wire. Impresionado por su trabajo, le encomendó crear un conjunto para su gira musical Touch the Sky, y más tarde para su gira Watch the Trone Tour.
Para este último espectáculo, la artista creó grandes grandes cubos a los que incorporó pantallas e instaló en el medio del escenario.
Con esta intervención, podemos ver uno de los principios clave de Devlin, el espacio. La artista repara en todo momento en lo que le hará sentir a la audiencia y en poder fingir que inicia o genera algo verdadero.
Para acabar, os dejo un enlace que os conducirá a una página donde se pueden ver perfectamente explicado lo que Esmeralda (Es) define sus 5 "ingredientes" en el proceso de diseño de sus proyectos, que en este caso son el espacio, la luz, la oscuridad, la escala y el tiempo, como ya hemos podido ir viendo en alguno de los proyectos que os he mostrado.
4.3.2. MEDALLA INNOVACIÓN
En una entrada anterior (medalla Panerai London Design) ya mencionamos una de las cuatro medallas concedidas en el Festival de Diseño de Londres de este año. En esta entrada, os traemos la segunda de estas cuatro, en este caso la medalla con la que fue galardonado Paul Priestman, "Design Innovation" (Medalla de Innovación).
Paul Priestman es diseñador industrial, fundador y director de PriestmanGoode y director creativo global de CSR Sifang, uno de los fabricantes de material rodante más grandes del mundo.
Priestman estudió Diseño Industrial en Central Saint Martins y en el Royal College of Art. Fue miembro del Consejo de Diseño del Reino Unido y Presidente del Panel de Habilidades del Sector de Diseño de 2004 a 2006. También fue presidente de la Asociación de Diseño Empresarial de 2001 a 2003 y miembro del Ejecutivo de D & AD de 2005 a 2007. Es actualmente es miembro del Royal College of Art Council.
Durante más de 25 años, el principio rector en el trabajo de Priestman ha sido su creencia de que el diseño no se trata solo de diseñar, sino de mejorar las cosas. Este enfoque ha llevado a su estudio a ganar una serie de premios de prestigio, incluidos los DBA Design Effectiveness Awards, el Premio Future Friendly para Sustainable Design Innovation, IDEA Award y el Premio Travel + Leisure de este año al Mejor Transporte.
Hoy, es conocido por su trabajo en aviación, transporte y diseño de productos, así como por sus ideas visionarias para mejorar nuestras vidas cotidianas y fomentar el pensamiento sostenible a largo plazo. Es un orador inspirador sobre el tema del diseño y el pensamiento creativo futuro y enarbola la bandera del diseño británico en todo el mundo.
Recientemente, Evening Standard, el periódico más importante de Londres, votó a Priestman como una de las 1000 personas más influyentes de Londres.
Para coincidir con el festival, creó desde PrietsmanGoode (el estudio del cual es director) una exposición titulada "The Origins of Tomorrow" (los orígenes del mañana) en su showrrom del centro de Londres, donde se mostró su filosofía de trabajo y diseño desde el inicio del estudio.
Una línea de tiempo fotográfica fue la encargada de mostrar la amplitud de su trabajo, desde juguetes y radiadores hasta New Tube para Londres, diseño de trenes, interiores de aeronaves y naves espaciales, mientras que una selección de productos representaba alguno de los hitos clave en su desarrollo como empresa. Además, se podían observar una serie de maquetas de su trabajo de interiores de aeronaves en una sección de tamaño completo del fuselaje de un avión.
Además, hay que destacar su participación en el Global Desing Forum del festival. Se trata de un programa de charlas, que cuentan con una sección de mesas redondas, sesiones de preguntas y respuestas y presentaciones de profesionales dentro de la industria del diseño.
En ella se charló a cerca de el tremendo avance que había tenido el diseño del transporte en los último años, con vehículos como el autopropulsado y los propulsados con hidrógeno, así como reflexionar sobre planes de Virgin Galactic para realizar un viaje de ida y vuelta entre Londres y Sydney en tan solo dos horas.
Es un evento que tuvo lugar en el Victoria & Albert Museum en el que, además de Priestman, se pudo contar con la presencia del diseñador de automóviles de Inglaterra Julian Thompson.
Para conocer un poco más el trabajo de este diseñador, os traigo los proyectos más destacados de la evolución en PriestmanGoode, grupo que comenzó como consultora de diseño industrial y productos antes de conseguir experiencia en soluciones de transporte y viajes.
Radiador Cactus para Bisque, 1992.
Fue presentado en la British Design and Art Annual de 1993 y se incluyó en la exhibición Rewind celebrada en el V & A Museum en 2002 y ahora se encuentra en la colección permanente del museo. Según el propio Priestman, se trata de un diseño lúdico y el primero en una larga lista de radiadores domésticos, con el cual además comenó su relación con el fabricante Bisque.
Su forma sinuosa alude a la de un cactus, mientras que la base recuerda a radiadores para Bisque como Hot Spring y Hot Hoop, que fueron fundamentales para cambiar la percepción de los radiarores como objetos periféricos que forman parte de un edificio en las declaraciones de diseño de interiores.
Estos son los radiarores Hot Spring y Hot Hoop, que redefinieron la imagen de los radiadores cuando salieron a la venta en 1997. Fueron diseñados por el fundador de Busque, Geoffrey Ward, y el propio Paul Priestman. Ganaron el premio Millennium Product Award y se expusieron en el Design Museum. Sin duda estos diseños icónicos de hace unos 20 años, ofrecen una original y deslumbrante forma, que crean deslumbrantes reflejos de luz y de color.
Virgin Pendolino, 2003
Este tren es posiblemente uno de los más reconocidos del Reino Unido. Fue un diseño que empezó a construirse a finales de los noventa y que finalmente salió a la luz en 2003. Se trata del primer asiento fijo para la aerolínea Virgin Atlantic. Fue un verdadero punto de inflexión en la industria de la aviación, por lo que cuando Virgin se mudó al sector ferroviario, siguieron colaborando con PriestmanGoode a la hora de diseñar sus trenes.
En el diseño de trenes se podía ver reflejado la actitud incorformista de la marca, buscando siempre el mejor diseño posible. Su diseño se caracteriza por el frente aerodinámico y su forma limpia y fluida, que evoca el clásico automóvil de carreras británico.
El Virgin Pendolino fue uno de los diseños de esta empresa a gran escala en el ámbito del trasporte, donde tuvieron que diseñar desde la punta del tren hasta el último detalle de los interiores.
Teclado virtual, 2004
Fue un teclado que se diseñó a principios del siglo XXI, cuando los teléfonos móviles y casi cualquier dispositivo electrónico se empezaban a volver imprescindibles en nuestras vidas. En este caso, se trataba de un teclado vinculado a través de Bluetooth a un dispositivo móvil u ordenador desde el que, mediante el uso de tecnología láser e infrarroja, se podía proyectar un teclado de tamaño completo en cualquier suf¡superficie plana.
Mientras que un teclado corriente podía ser muy conveniente para el uso personal, este nuevo sistema estaba especialmente pensado para entornos profesionales donde la suciedad y las bacterias atrapadas en los teclados podían ser un problema, como los hospitales.
BAA Heathrow Terminal 5, 2008
Fue el proyecto más grande al que PriestmanGoode se había enfrentado hasta la fecha en el Reino Unido, esta vez en Londres. Fueron parte del equipo que diseñó el Terminal 5 de la compañía de transporte privada Heathrow de BAA, donde trabajaron con todo un equipo que incluía arquitectos, ingenieros, diseñadores de interiores...
Claramente, su amplia experiencia en la industria de viajes había significado que se convirtiesen en expertos en comprender el comportamiento de los pasajeros. Lo que buscaron en este terminal fue crear un entorno que fuera fácil e intuitivo de usar. Para ello, diseñaron un conjunto de productos que incorporaban todo, desde los mostradores de facturación hasta los sistemas de visualización de información de vuelo, con el fin de aliviar el estrés de los viajes. De este modo, crearon un lenguaje visual para todo el terminal, para facilitar esa experiencia fluida que buscaban.
La familia de productos de este terminal incluye 140 productos que cubren áreas de pasajeros, facturación, llegadas, salidas, reclamo de equipaje... Con el transcurso de los años, estos productos se han ido instalando en distintos terminales, ya que se ha convertido en el estándar aceptado para su uso en todos los aeropuertos operados por BAA.
Worl View Experience, 2013
En este caso el proyecto no tenía que ver con viajes en tren o avión, sino que fue directamente parte de la industria de viajes espaciales. Se trata de un proyecto para llevar pasajeros en vuelos al borde del espacio, donde podrán observar la Tierra y el espacio.
PriestmanGoode fue contactado por Paragon Space Corporatio, que quería crear un vehículo alternativo para el turismo espacia. Querían crear algo que se centrara en la comodidad de los pasajeros en esta experiencia extraordinaria.
La ingeniería y la tecnología detrás de la cápsula ofrecían diferentes opciones al diseño tradicional de cohetes. Worl View Experience no busca velocidad, sino que trata de hacer que las personas disfruten un viaje único en la vida. De hecho, donde la mayoría de los viajes comerciales espaciales solo duran unas dos horas, Worl View Experience lleva a los pasajeros hasta el borde del espacio para un viaje de entre seis y ocho horas d duración. Como resultado, querían crear un exterior que fuera el equilibrio perfecto entre forma y función, permitiendo a los pasajeros tener una ventana de visión lo más ámplia posible, mientras que los interiores tienen que ver con la comodidad.
Aquí os traigo el vídeo promocional del proyecto.
Swiss International Airlines, 2015
Han diseñado interiores de aviones para multitud de compañías, entre las cuales me ha llamado la atención la colaboración para la famosa empresa suiza Swiss, que os traigo a continuación.
En esta intervención, diseñaron la suite de primera clase del avión, donde primaron el diseño moderno y los materiales de alta calidad. Además, se priorizó garantizar comodidad y privacidad a los pasajeros mientras ofrecían un espacio lujoso y relajante. Son sin duda cabinas lujosas, elegantes y atemporales, con una ligereza de tacto, precisión artesanal y atención al detalle.
La Suite ofrece un diseño relajado que ofrece la máxima comodidad durante el vuelo, una gran privacidad y se puede ajustar a los deseos y necesidades específicas de cada pasajero.
El ámplio entorno de la suite y las paredes laterales ajustables proporcionan privacidad, mientras que la iluminación sofisticada y el diseño contemporáneo se combinan para crear un espacio tranquilo y lujoso.
El asiento se puede ajustar con solo tocar un botón según los requisitos del pasajero. Un controlador a medida, también diseñado por el equipo de Priestman, permite ajustar el asiento, las pantallas de privacidad y la iluminación.
4.3.3. MEDALLA TALENTO EMERGENTE
La Medalla de Talento Emergente, respaldada por Storey, reconoce a un individuo que ha tenido un impacto en la escena del diseño dentro de los cinco años posteriores a la graduación.
Julian Mechorri
Julian es el fundador y CEO de Arborea, una compañía de tecnología bioquímica con sede en Imperial Innovations y parte del Instituto Europeo de Tecnología Climate-KIC Accelerator.
Obras:
Cocoon. Se trata de una una escultura de luz que explora la metamorfosis de la luz, los materiales y las formas a través de múltiples intervenciones tecnológicas, cuestionando la fiabilidad de nuestra percepción sensorial de la realidad.
Hoja de seda. En un período en el que las emisiones globales de carbono y la urbanización crecen exponencialmente, surge la necesidad de crear soluciones sostenibles para el entorno urbano interior y exterior. Es el primer prototipo que presenta el impacto potencial que los materiales fotosintéticos podrían tener en nuestra vida cotidiana. Está hecho de un material biológico compuesto principalmente por proteínas de seda y cloroplastos. Silk Leaf absorbe CO2 y produce oxígeno y compuestos orgánicos gracias a la capacidad fotosintética de los cloroplastos estabilizados dentro de la proteína de seda. Cualquier luz visible y agua es necesaria para permitir la reacción.
Lámpara biónica. Exhale es la primera araña biónica viviente del mundo que purifica el aire interior.
Esta pieza explora cómo los avances en biotecnología e ingeniería se pueden aplicar a objetos cotidianos y arquitectura para aumentar la calidad de nuestras vidas. La araña purifica el aire en el interior a través de la fotosíntesis realizada por microalgas vivientes encerradas en módulos de hojas. Exhale también es el primer objeto viviente que crece continuamente mientras realiza funciones depurativas impulsadas biológicamente. Exhale ahora es parte de la prestigiosa colección permanente de V & A.
4.3.4. MEDALLA LOGRO DE POR VIDA
La Medalla por el Logro de toda una vida honra a una persona que ha hecho contribuciones significativas y fundamentales a la industria del diseño a lo largo de su carrera.
Margartet Calvert
Margaret Vivienne Calvert OBE (nacido en 1936) es un británico tipógrafo y diseñador gráfico. Nacida en Sudáfrica, Calvert se mudó a Inglaterra en 1950, donde estudió en la St Paul's Girls 'School y en el Chelsea College of Art . Kinneir, su tutor allí, le pidió que lo ayudara a diseñar las señales para el aeropuerto de Gatwick , donde eligieron el esquema negro sobre amarillo para los letreros después de investigar la combinación más efectiva.
El primer trabajo de la sudafricana Margaret Calvert, por invitación de Jock Kinnear, fue ayudar en la señalización del aeropuerto de Gatwick, una colaboración que finalmente llevaría a la asociación de diseño Kinneir Calvert Tunhill.
Calvert pasó a tener un papel de liderazgo en uno de los proyectos de diseño público más grandes y mejor reconocidos en el Reino Unido: el sistema de señalización vial que se mantiene hasta el día de hoy.
También creó sistemas de rotulación y firma para hospitales del NHS, British Rail y British Airports Authority. Más recientemente, participó activamente en el diseño del nuevo sitio web del gobierno, Gov.uk, y trabajó en el diseño de letras y pictogramas para el Metro de Moscú.
4.4. SOCIOS 2017
Seguimos indagando en el Festival de Diseño de Londres. En este caso empezaremos a adentrarnos en sus distintos socios, en este caso en el London Design Fair, uno de los cinco que colabora con ellos.
El festival tiene varios cientos de socios, todos ellos con una cosa en común: traen un gran diseño a la población de la ciudad y a sus visitantes. Los socios del festival se reúnen todos los años para mostrar una muestra de trabajo e ideas interdisciplinarias.
Los socios provienen de toda la comunidad del diseño, desde estudios emergentes hasta compañías internacionales establecidas; de las principales instituciones y naciones a los comerciantes individuales mostrando sus últimas ideas. El festival es la culminación de increíbles obras, tanto grandes como pequeñas, que tienen lugar durante todo el año, en todos los rincones de la ciudad.
4.4.1. DISTRITOS DE DISEÑO
Al igual que los Destinos o las Rutas de Diseño, los Distritos de Diseño con parte imprescindible de este festival.
Son sin duda un componente clave de la composición del mismo, ya que cada distrito de diseño constituye un conjunto de eventos a poca distancia uno del otro (algo similar a lo que ocurría en las diferentes rutas), lo que permite a los visitantes navegar por los 400 eventos y la geografía de la ciudad.
En la actualidad, el festival cuenta con nueve Distritos de Diseño oficiales, cada uno con su propio personaje. Desde el animado Brixton, al sur del río hasta el moderno East End Shoreditch, la producción de diseño en estos distritos es tan variada como sus códigos postales.
Las tiendas ofrecen espectáculos especiales, bebidas y talleres nocturnos, mientras que los arquitectos y diseñadores ofrecen asesoramiento en estudios abiertos, seminarios, lanzamientos de productos y demostraciones.
Las instalaciones, los mercados y las visitas guiadas también se presentan durante todo el periodo del festival.
Aquí os dejo la lista de Distritos que han participado en la última edición:
1. Bankside
2. Brixton
3. Brompton
4. Chelsea
5. Clerkenwell
6. Islington
7. Shoreditch
8. Mayfair
9. Pimplico Road.
Dentro de nuestro trabajo de investigación, hemos visto necesario mencionar este apartado del festival. Aún así, hemos visto más conveniente centrarnos en puntos que nos parecen más relevantes en cuanto a nuestro trabajo de investigación se refiere.
Aún así, para que podáis indagar más en algún distrito en particular si os interesa, aquí os dejo este enlace que os llevará directamente al apartado de la web del festival donde hace un pequeño resumen de cada uno.
4.4.2. DESTINOS DE DISEÑO
Seguimos hablando sobre el Festival de Diseño de Londres. En este caso os venimos a comentar los cinco eventos principales que presenta, bajo el nombre de "Design Destinations", en concreto en esta entrada sobre el London Design Fair.
Los Design Destinations o Destinos de Diseño son pilares comerciales del festival y lugares esenciales para visitar para cualquiera que quiera descubrir nuevos lanzamientos de productos o identificar tendencias actuales. Ofrecen puntos de encuentro clave para diseñadores, fabricantes, compradores, medios de comunicación y entusiastas del diseño.
Además, también ofrecen el escenario perfecto para una variedad de diseñadores y creadores emergentes, además de albergar una variedad de seminarios informativos, eventos y presentaciones.
Los Destinos de Diseño tienen sus propias fechas y horarios de apertura por lo que, aún coincidiendo con el festival, no todos se ejecutan durante la totalidad del mismo.
4.4.2.1. 100%
Estrenada en 1995, el espectáculo es el pilar comercial del London Design Festival, con 27.387 visitantes al espectáculo; teniendo lugar en uno de los lugares más inspiradores de Londres, Olympia London.
100% Design, la feria comercial más grande del Reino Unido para arquitectos y diseñadores, regresó a Olympia, Londres del 20 al 23 de septiembre para su 23ª edición. El espectáculo dio la bienvenida a cientos de expositores y más de 27,000 visitantes a Kensington, lo que ayudó a fomentar las relaciones entre algunos de los arquitectos, diseñadores, especificadores, minoristas y desarrolladores más grandes del mundo.
Cada año, 100% Design adopta un tema que se refleja en sus instalaciones, características, programas de charlas y diseño de espectáculos. Para la edición de 2017, se trataba de "Elementos", que consideraba todo, desde los fundamentos del diseño hasta los componentes que componen un producto.
Con los últimos lanzamientos de productos del Reino Unido de una variedad extraordinaria de marcas y diseñadores, el diseño 100% ocupa un lugar crucial como el corazón comercial del diseño en el Reino Unido. Con cinco secciones distintas, interiores, lugar de trabajo, cocinas y baños, diseño y construcción y marcas emergentes, el diseño 100% es único en su atractivo intersectorial para los profesionales del diseño
4.4.2.2. DECOREX
Decorex, el principal destino del Reino Unido para el diseño de interiores, tuvo lugar en septiembre de 2017 en los terrenos históricos de Syon Park. Del 17 al 20 de septiembre de 2017. Decorex International es el salón de diseño líder del Reino Unido y el único de su tipo en el Reino Unido para el mercado de interiores de lujo. Fundada en 1978, Decorex, ahora en su cuadragésimo año, está firmemente reconocida entre la comunidad de diseño internacional como el recurso confiable para diseñadores de interiores de alta gama, arquitectos, especificadores, minoristas y desarrolladores de propiedades.
Con más de 400 de los expositores más reconocidos y emergentes en todo el mundo, incluyendo un número creciente de nuevos participantes. Atrayendo a casi 14,000 visitantes de todo el mundo, Decorex 2017 explorará Collaborations como el tema de la exposición de este año.
La edición 2017 de la serie incluyó una serie de espacios destacados y vio el regreso de Future Heritage: la aclamada muestra de trabajo de algunos de los nombres emergentes más importantes en la artesanía británica. Curada por el renombrado diseñador y crítico de artes aplicadas, Corinne Julius, Future Heritage presentó un nuevo trabajo encargado exclusivamente para el espectáculo. Los fabricantes incluyeron a los diseñadores Helen Carnac, David Gates, Simon Hassan, Merel Karhof y Marc Trotereau, y Naomi McIntosh.
4.4.2.3. DESIGN JUSTION
Designjunction es el principal destino de Londres para el diseño de interiores y la cultura contemporáneos, que se celebra anualmente durante el London Design Festival. En 2017, designjunction presentó más de 200 marcas internacionales de clase mundial y etiquetas de diseño de vanguardia más pequeñas a una audiencia de profesionales del diseño.
Designjunction regresó a King's Cross y se llevó a cabo en cinco destinos en 2017. Los visitantes presenciaron una mezcla de marcas globales de mobiliario, iluminación, accesorios, materiales y tecnología, junto con tiendas emergentes, instalaciones y características interactivas.
Granary Square fue el anfitrión de una serie de proyectos que incluyen Renault UK presentando el concept car TreZor y los resultados de un proyecto con Central Saint Martins, UAL.
Turkishceramics creó una instalación en el espacio de la fuente central que celebró la rica historia de la cerámica en Turquía.
Cubitt House y Cubitt Park (nuevo para 2017) albergaron una increíble gama de marcas de diseño internacionales junto con lightjunction. Una colaboración con expertos en materiales SCIN Gallery formó un nuevo y emocionante escaparate explorando materiales tanto de hoy como del futuro.
The Crossing albergaba instalaciones de Corian, Kirkby Design, Blackbody y un proyecto de asociación con la marca de relojes de diseño Rado lanzando la primera edición del Premio Rado Star en el Reino Unido. El Canopy volvió como un lugar emergente temporal para marcas minoristas premium y etiquetas de diseño emergentes que venden de todo, desde accesorios de moda hasta tecnología, cerámica, cristalería y artículos de papelería.
4.4.2.5. FOCUS/17
Siguiendo con los Destinos de Diseño, llega la hora de mencionar "Focus/17" o "Enfoque/17".
Se trata de una exposición de mano de Chelsea Harbour, donde 120 showrooms presentan sus últimos trabajos.
Chelsea Habour es un Centro de Diseño Londinense. Se trata de una plataforma creativa y comerciante. Es el más grande de su tipo en Europa, el destino de diseño de elección para los diseñadores, arquitectos y creadores de tendencias.
Focus/17, por tanto, reúne al mundo del diseño en este Centro de Diseño para un impresionante evento de seis días, acogiendo a visitantes comerciales y minoristas.
Es un evento que cuenta con la participación de 120 salas de exposición del Centro de Diseño y más de 600 marcas de marca mundial, el lugar perfecto para descubrir talentos de talla mundial, conectarse con diseñadores influyentes y conocer de cerca eventos de alto perfil y, por lo tanto, una perfecta colaboración para este festival.
Lo que ofrece es alta costura para el hogar. Las creaciones de algunos de los nombres más influyentes del mundo marcan el ritmo e incluyen telas, muebles, paredes, iluminación, accesorios, cocinas, baños, cuero, adornos, herrajes, tecnología de estilo de vida, vida al aire libre, azulejos, alfombras y moquetas.
Por tanto, además de ser un gran ejemplo en cuanto a tendencias emergentes, Design Centre, Chelsea Habour, ofrece una gran cantidad de inspiración y experiencia especializada, ya sea que busca ideas para u proyecto residencias, detalles para un apartamento en la ciudad o soluciones de diseño para un hotel, yate o proyecto colaborativo. No es de extrañar que los visitantes vuelvan una y otra vez, ya que una sola visita rara vez es suficiente.
Por tanto, además de ser un gran ejemplo en cuanto a tendencias emergentes, Design Centre, Chelsea Habour, ofrece una gran cantidad de inspiración y experiencia especializada, ya sea que busca ideas para u proyecto residencias, detalles para un apartamento en la ciudad o soluciones de diseño para un hotel, yate o proyecto colaborativo. No es de extrañar que los visitantes vuelvan una y otra vez, ya que una sola visita rara vez es suficiente.
Como he comentado, en esta entrega vengo a hablaros de otro de sus eventos, en este caso del London Design Fair o Feria de Diseño de Londres. Fue lanzada en 2007 y, desde entonces, se ha convertido con diferencia la feria más visitada durante el festival.
Se trata de una feria ubicada en el corazón creativo de East London, que esta última edición tuvo la duración de cuatro días, donde se reunieron 500 expositores de 28 países diferentes, incluyendo diseñadores independientes, marcas establecidas, pabellones de países internacionales y diversas exposiciones.
Como parte del London Design Festival, no podía dejar de reunir a profesionales del mundo del diseño. En este caso fueron más de 27 mil personas influyentes (compradores minoristas, arquitectos, diseñadores de interiores, prensa, público conocedor del diseño...) las que asistieron para ver lo último en tendencias de mobiliario, iluminación, textiles, materiales e instalaciones conceptuales de todo el mundo.
En cuanto a los materiales que triunfaron en la feria del 2017, hay uno que destaca por encima del resto. Se trata de Jesmonite, el último material de la industria de la construcción, que se puede utilizar para reproducir el aspecto y la textura de cualquier acabado de superficie en cantidad de colores. Está creado por una combinación de materias primas naturales con una mezcla especial de polímeros acrílicos puros a base de agua. Es un material que ha sido usado con frecuencia los últimos doce meses, y que ha sido el medio para algunas de las pantallas de colores más vívidas y para los detalles más finos en los productos que más han intrigado a los diseñadores de la Feria.
Para celebrar el "material del año" se les pidió a las diseñadoras Ariane Prin y a Zuza Megham que creasen instalaciones específicas a gran escala donde trabajasen con este material introduciéndolo en la arquitectura del lugar.
En 2017 en concreto, London Design Fair designó a los EEUU como país invitado para asegurarse de que capturaban el espíritu del diseño de Estados Unidos. Para ello, invitaron a Sight Unseen a comisariar una gañería de hasta diez diseñadores y estudios con base en EEUU para el pabellón destinado a este país.
La idea de destinar un apartado a un país invitado nació solo un año antes, en 2016, con el objetivo de crear una unión entre el Reino unido y el país escogido, para de este modo proporcionar a los visitantes acceso directo a productos, piezas y diseñadores que de otro modo no podrían haber tenido la oportunidad de conocer de primera mano.
Por otro lado, esta feria destina distintos pabellones para mostrar el diseño en diversos países, exponiendo productos de empresas importantes de cada uno de ellos y dando así una visión más clara del diseño que se está dando en el mundo entero.
Cómo no, nuestro país también tuvo un hueco en uno de esos pabellones. En este caso se expusieron escaparates y galerías de Artesanía de Galicia. Se trata de una marca que representa a artesanos contemporáneos de Galicia. Incluyen productos de alta calidad, que están ciudadosamente diseñadors y cuentan una historia fascinante: las raíces de nuestra cultura combinadas con el diseño contemporáneo, la personalidad de los creadores y la habilidad de sus manos. Como resultado, la acción del artista se refleja durante el proceso de creación de la pieza.
Si os interesa seguir indagando en esta feria, aquí tenéis el enlace directo que os llevará a su página web oficial, donde podréis ver todas sus exposiciones, pabellones e intervenciones.
Design Routes o Rutas de Diseño son parte de este festival londinense, al igual que los Distritos de Diseño. Su propósito es que las diferentes empresas relacionadas con la actividad del diseño en esta ciudad sean reconocidas dentro del festival
Como una ruta, los socios participantes se encuentran a poca distancia el uno del otro. Juntos, tratan de ampliar enormemente la gama de actividades y eventos que se llevan a cabo dentro del festival. A su vez, se aseguran que cada ruta represente a todas las áreas de Londres y sus comunidades creativas y de diseño.
Son tres las Rutas de Diseño del 2017: Maker Mile Design Route, Notting Hill Design Route y South East Makers Club Design Route.
4.4.3.1. NOTTING HILL DESIGN ROUTE
Ruta de Diseño de Notting Hill
En esta ruta podemos encontrar las mejores tiendas y estudios de diseño de Londres, además de una gran variedad de eventos de arte, artesanía y diseño.
También estaban presentes las clases de manualidades a mano de Eloise Renouf en su tienda Westbourne Grove durante todo el festival.
También estaban presentes las clases de manualidades a mano de Eloise Renouf en su tienda Westbourne Grove durante todo el festival.
Eloise Renouf (página web) es una artista, diseñadora e ilustradora textil que vive y trabaja en Nottingham (Reino Unido). Ella misma explica creer en las cosas que sirven para usar y mirar, en lo decorativo y lo simple, en lo colorido pero atento.
Ha diseñado impresiones para estudios tanto en Londres como en Nueva York y ha llevado su propio negocio de papelería con su socio Patrick.
Estas son algunas de sus muchas obras:
Además, siguiendo con la ruta, los visitantes tuvieron la oportunidad de probar una nueva habilidad con talleres prácticos de Farrow and Ball (página web) y una clase magistral de telar en Graham & Green Bayswater.
Farrow and Ball es una importante empresa especializada en pintura altamente pigmentada y papel tapiz artesanal que utiliza solo los mejores ingredientes y métodos antiguos. Trabajan desde Dorset, Inglaterra, desde 1946 siguiendo los pasos de sus fundadores John Farrow y Richard Ball.
Además, de los talleres impartidos, esta empresa ha tenido alguna intervención más durante el festival. Una de ellas consistía en envolver varios taxis negros icónicos de Londres en sus diseños de papel pintado de colores brillantes. Estos estaban decorados desde el arranque hasta el capó con texturas y patrones expresivos.
Además, instalaron varias exposiciones donde se podía ver parte de la amplia gama de paleta cuidadosamente creada de 132 colores, famosa por su profundidad y complejidad.
Son tonos que responden extraordinariamente a todo tipo de luz, y los pigmentos dentro de cada tonalidad ofrecen una profundidad de color única y una calidad de acabado que da vida a las paredes de todo el mundo.
Estas exposiciones fueron una pequeña muestra de como la riqueza de estos colores absorbentes crean una vitalidad inimitable en cada habitación, transformando las casas modernas y tradicionales, tanto grandes como pequeñas, por dentro y por fuera.
Aquí os dejo además su vídeo promocional.
Por otro lado, Goldfinger Factory organizó una noche de charlas centradas en la sostenibilidad además de visitas a diferentes fábricas.
Goldfinger Factory es una galardonada empresa social que presentó su colección de muebles AW17 para restaurantes, oficinas y residencias con un recorrido exclusivo por sus talleres de carpintería, de metalistería y fabricación digital que hizo coincidir con las fechas del festival.
Esta empresa está centrada en crear muebles e interiores hechos a medida, al mismo tiempo que ayuda a los artesanos en la fabricación y en salvar materiales de los vertederos.
Ubicada en la planta baja de la Trellick Tower, combina una sala de exposición de muebles, un taller de carpintería y una academia de enseñanza. Además, proporcionan ayuda a los diseñadores, fabricantes y artesanos proporcionándoles una plataforma para desarrollar y vender muebles e interiores hechos a medida. Por tanto, busca transformar vidas a través de la artesanía y el diseño.
Por tanto, exhibió su nueva colección de muebles con un recorrido exclusivo por su fábrica.
Fue patrocinado por la empresa de iluminación y mobiliario contemporáneo HEAL's (página web) para promover el bien ambiental y social a través del diseño y para, a su vez, celebrar el lanzamiento de esta nueva ruta de Notting Hill.
Buen diseño. Bien hecho.
Estas son las dos simples reglas que han guiado las colecciones de Heal por más de 200 años. Comenzando en 1810 como fabricante de colchones, han aplicado continuamente una actitud progresista al diseño para asegurar su reputación como fabricantes de muebles modernos y contemporáneos en el Reino Unido. También son conocidos por otorgar un alto valor a la innovación, la artesanía y los materiales de calidad.
Como parte de esta ruta, también organizó talleres de artesanía con papel quilling (que consiste en enrollar tiras de papel para crear diseños decorativos) y composición de collage en la tienda Westbourne Grove, que seguían la línea de las colecciones AW17 de Goldfinger.
Estos son algunos de los muebles de la colección AW17:
Por otro lado, se presentó una instalación de tipografía de después del éxito obtenido en 2016.
En ella, podemos encontrar desde posters y diseño de hospitales hasta paquetes de pastillas y objetos relacionados con la salud. Es una exposición gratuita que muestra el papel del diseño gráfico en la comunicación de mensajes que sirven para persuadir, informar y empoderar. Se podrá apreciar, por tanto, la importancia del diseño gráfico en la configuración de nuestro entorno y nuestra salud.
Procedente de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, cuenta con el trabajo de figuras influyentes en el diseño gráfico del siglo XX, así como de estudios e individuos que trabajan actualmente.
Las obras seleccionadas incluyen las de Fritz Kahn, Abram Games, Marie Neurath... y las de estudios como Pentagram, Studio Dumbar, Kayna Hara, etc...
Bajo el nombre de Can Graphic Design Save Your Live? (¿Puede el diseño gráfico salvar tu vida?), esta exposición hace alusión a la importancia de las estrategias persuasivas empleadas para dar forma a las percepciones públicas sobre el tabaquismo, con exuberantes campañas publicitarias de la década de 1980 junto con objetos que muestran el impacto del empaquetado simple y las imágenes anti-tabaco encontradas en formatos tan pequeños.
 |
| Cartel creado para Het Nederlandse Rode Kruis. Ilustración Dick Bruna © copyright Mercis bv, 1986 |
 |
| The Heart & Stroke Foundation of Canada ™ Paula Scher / Jeff Close / Pentagram |
 |
| Ayuda Remedios. Diseñado por la agencia de marca de diseño estratégico, Pearlfisher |
 |
| Lepra ', poster-folleto. 1955. Otto y Marie Neurath Isotype Collection, Universidad de Reading |
 |
| n + m Medical Journal. Boehringer Ingelheim |
En esta ruta podemos encontrar las mejores tiendas y estudios de diseño de Londres, además de una gran variedad de eventos de arte, artesanía y diseño.
También estaban presentes las clases de manualidades a mano de Eloise Renouf en su tienda Westbourne Grove durante todo el festival.
También estaban presentes las clases de manualidades a mano de Eloise Renouf en su tienda Westbourne Grove durante todo el festival.
Eloise Renouf (página web) es una artista, diseñadora e ilustradora textil que vive y trabaja en Nottingham (Reino Unido). Ella misma explica creer en las cosas que sirven para usar y mirar, en lo decorativo y lo simple, en lo colorido pero atento.
Ha diseñado impresiones para estudios tanto en Londres como en Nueva York y ha llevado su propio negocio de papelería con su socio Patrick.
Estas son algunas de sus muchas obras:
Además, siguiendo con la ruta, los visitantes tuvieron la oportunidad de probar una nueva habilidad con talleres prácticos de Farrow and Ball (página web) y una clase magistral de telar en Graham & Green Bayswater.
Farrow and Ball es una importante empresa especializada en pintura altamente pigmentada y papel tapiz artesanal que utiliza solo los mejores ingredientes y métodos antiguos. Trabajan desde Dorset, Inglaterra, desde 1946 siguiendo los pasos de sus fundadores John Farrow y Richard Ball.
Además, de los talleres impartidos, esta empresa ha tenido alguna intervención más durante el festival. Una de ellas consistía en envolver varios taxis negros icónicos de Londres en sus diseños de papel pintado de colores brillantes. Estos estaban decorados desde el arranque hasta el capó con texturas y patrones expresivos.
Además, instalaron varias exposiciones donde se podía ver parte de la amplia gama de paleta cuidadosamente creada de 132 colores, famosa por su profundidad y complejidad.
Son tonos que responden extraordinariamente a todo tipo de luz, y los pigmentos dentro de cada tonalidad ofrecen una profundidad de color única y una calidad de acabado que da vida a las paredes de todo el mundo.
Estas exposiciones fueron una pequeña muestra de como la riqueza de estos colores absorbentes crean una vitalidad inimitable en cada habitación, transformando las casas modernas y tradicionales, tanto grandes como pequeñas, por dentro y por fuera.
Aquí os dejo además su vídeo promocional.
Por otro lado, Goldfinger Factory organizó una noche de charlas centradas en la sostenibilidad además de visitas a diferentes fábricas.
Goldfinger Factory es una galardonada empresa social que presentó su colección de muebles AW17 para restaurantes, oficinas y residencias con un recorrido exclusivo por sus talleres de carpintería, de metalistería y fabricación digital que hizo coincidir con las fechas del festival.
Esta empresa está centrada en crear muebles e interiores hechos a medida, al mismo tiempo que ayuda a los artesanos en la fabricación y en salvar materiales de los vertederos.
Ubicada en la planta baja de la Trellick Tower, combina una sala de exposición de muebles, un taller de carpintería y una academia de enseñanza. Además, proporcionan ayuda a los diseñadores, fabricantes y artesanos proporcionándoles una plataforma para desarrollar y vender muebles e interiores hechos a medida. Por tanto, busca transformar vidas a través de la artesanía y el diseño.
Por tanto, exhibió su nueva colección de muebles con un recorrido exclusivo por su fábrica.
Fue patrocinado por la empresa de iluminación y mobiliario contemporáneo HEAL's (página web) para promover el bien ambiental y social a través del diseño y para, a su vez, celebrar el lanzamiento de esta nueva ruta de Notting Hill.
Buen diseño. Bien hecho.
Estas son las dos simples reglas que han guiado las colecciones de Heal por más de 200 años. Comenzando en 1810 como fabricante de colchones, han aplicado continuamente una actitud progresista al diseño para asegurar su reputación como fabricantes de muebles modernos y contemporáneos en el Reino Unido. También son conocidos por otorgar un alto valor a la innovación, la artesanía y los materiales de calidad.
Como parte de esta ruta, también organizó talleres de artesanía con papel quilling (que consiste en enrollar tiras de papel para crear diseños decorativos) y composición de collage en la tienda Westbourne Grove, que seguían la línea de las colecciones AW17 de Goldfinger.
Estos son algunos de los muebles de la colección AW17:
Por otro lado, se presentó una instalación de tipografía de después del éxito obtenido en 2016.
En ella, podemos encontrar desde posters y diseño de hospitales hasta paquetes de pastillas y objetos relacionados con la salud. Es una exposición gratuita que muestra el papel del diseño gráfico en la comunicación de mensajes que sirven para persuadir, informar y empoderar. Se podrá apreciar, por tanto, la importancia del diseño gráfico en la configuración de nuestro entorno y nuestra salud.
Procedente de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, cuenta con el trabajo de figuras influyentes en el diseño gráfico del siglo XX, así como de estudios e individuos que trabajan actualmente.
Las obras seleccionadas incluyen las de Fritz Kahn, Abram Games, Marie Neurath... y las de estudios como Pentagram, Studio Dumbar, Kayna Hara, etc...
Bajo el nombre de Can Graphic Design Save Your Live? (¿Puede el diseño gráfico salvar tu vida?), esta exposición hace alusión a la importancia de las estrategias persuasivas empleadas para dar forma a las percepciones públicas sobre el tabaquismo, con exuberantes campañas publicitarias de la década de 1980 junto con objetos que muestran el impacto del empaquetado simple y las imágenes anti-tabaco encontradas en formatos tan pequeños.
|
| Cartel creado para Het Nederlandse Rode Kruis. Ilustración Dick Bruna © copyright Mercis bv, 1986 |
|
| The Heart & Stroke Foundation of Canada ™ Paula Scher / Jeff Close / Pentagram |
|
| Ayuda Remedios. Diseñado por la agencia de marca de diseño estratégico, Pearlfisher |
|
| Lepra ', poster-folleto. 1955. Otto y Marie Neurath Isotype Collection, Universidad de Reading |
|
| n + m Medical Journal. Boehringer Ingelheim |
4.4.3.1. MAKER MILE DESIGN ROUTE
Siguiendo con las Rutas de Diseño del London Design Festival, de las cuales ya mencioné una en una entrada pasada (Ruta de diseño de Nothing Hill), aquí os traigo una segunda ruta,
Maker Mile Design Route.
La Ruta de Diseño Maker Mile consta de un grupo creativo que cuenta con más de 50 espacios de fabricantes, estudios de diseño y talleres en el este de Londres.
Maker Mile regresa al festival por tercer año consecutivo, pero esta vez como una Ruta de Diseño oficial. Algunos de los espacios más innovadores de la zona exhibieron proyectos, instalaciones y exposiciones para el festival, todos con una corta distancia entre uno y otro.
Entre los eventos incluidos podemos encontrar la instalación construida por la artista visual contemporánea Lisa Traxler en el estudio Surface Matter.
Se trata de "Build", una instalación inspirada en el deslumbramiento del camuflaje y el radar, donde los materiales se encuentran con el arte. Se trata, más bien, de una serie de esculturas, formas y obras que incorporan materiales inusuales como acero esmaltado vítreo, papel cosido, vinilo y papel reciclado. Este trabajo es una reacción a la restauración de un búnker de radar de la Segunda Guerra Mundial en la Isla de Wight.
Se pueden apreciar ocho construcciones vítreas de esmalte y acero. Contienen formas ligeramente entrelazadas y cuidadosamente construidas. Estos fragmentos se unen, creando interferencia, engañando al ojo y creando sensación de inquietud.
Por otro lado, podemos encontrar la exposición de muebles posmodernos en Taylor Hawker Pop-Up Shop (web).
En su estudio, Taylor Hawker conceptualiza y crea espacios, objetos y muebles. Su práctica está inspirada en la carpintería japonesa, la simplicidad escandinava y la audacia del diseño posmodernidad británico.
Estos son algunos de los objetos, espacios y mobiliario de Taylor Hawker Studio que podían ser vistos durante el festival:
Encontramos además el proyecto de Machines Room (sala de máquinas), de Maker Mile.
Se trata de un espacio expositivo que presenta "Design Products Graduated", una exposición interactiva de recientes trabajos de posgrado del programa Design Products en el Royal College of Art. Se propone a los visitantes, por tanto, que hagan un recorrido por sus talleres, lo que les ayudará a aprender sobre tecnologías de fabricación digital y hablar con la nueva generación de diseñadores.
También aparecen en esta ruta los procesos de estudio con prototipos y maquetas en Studio Trevelyan.
Es un estudio multidisciplinario con sede en Londres centrado principalmente en piezas de diseño de edición limitada. Fue creado en 2009 por el diseñador australiano Charles Trevelyan.
La obra expuesta es titulada "Abstractions" (abstracciones), su primera exposición organizada para este festival en la que presentan una selección de proyectos de trabajo en proceso que resaltan aspectos del producto que rara vez se ven. Algunos son estudios para proyectos a medida, mientras que otros presentan nuevas direcciones para el estudio en 2018. Los visitantes podrán observar sus modelos, maquetas y pruebas con materiales de los proyectos, así como sus diversas etapas del proceso de diseño y desarrollo.
Por último, apreciamos una instalación fascinante por Unique Style Platform y Surface Matter que muestra los últimos avances en color y materiales. Combinan su experiencia en sus respectivos campos para lograr una excelente instalación que mira a la importancia del color y la superficie bajo la luz.
Es una exposición, por tanto, que muestra a través de una combinación de imagen y material, las tendencias clave del color, presentando al mismo tiempo las últimas innovaciones en superficie y ofreciendo inspiración visual para cualquier persona interesada en el color.
4.4.3.1. SOUTH EAST MAKERS DESIGN ROUTE
Como ya habéis podido conocer, en la 15º edición de este festival londinense contaron con tres Rutas de Diseño, de las cuales dos ya hemos nombrado anteriormente (ruta de Notting Hill y ruta Maker Mile). Por lo tanto, solo nos queda mostraros la tercera y última ruta
Se trata de South East Makers Club que, tras su éxito en 2016, en esta edición regresó por segundo año consecutivo para mostrarle a la comunidad de diseño que South East London merece un lugar en el mapa del diseño.
Invitaron a todos los entusiastas del diseño a dirigirse al sur de Londres a explorar las calles y los estudios creativos de esa zona. Es un lugar donde viven muchos de los mejores diseñadores y fabricantes locales y se incluyeron una variedad de estudios abiertos, charlas y talleres para que el público pudiese aprender y disfrutar. Hubo además exposiciones con diseñadores locales, nacionales e internacionales, además de instalaciones, proyecciones y documentales o películas.
Fueron tres las áreas en las que se pudieron ver las diferentes exposiciones.
En Brockley & New Cross se presenta, entre otras, una exposición de Superfolk, un equipo de diseñadores y fabricantes formado por el matrimonio de Gearoid Muldowney, diseñador artesanal, y Jo Anne Butle, artista y arquitecta. Diseñan desde muebles hasta productos de papel, telas impresas y cerámicas.
La exposición presentada tiene de nombre "Meander" y consistía en el diseño de una gama de candelabros en latón pulido y acero negro engrasado en curvas sinuosas y estampados textiles impresos en telas de algodón natural. Todos estos fueron inspirados en ríos serpenteantes.
Como cuentan sus diseñadores, "el río serpenteante es la encarnación de todo lo que es simple y hermoso en la naturaleza"
En Brockley & New Cross se presenta, entre otras, una exposición de Superfolk, un equipo de diseñadores y fabricantes formado por el matrimonio de Gearoid Muldowney, diseñador artesanal, y Jo Anne Butle, artista y arquitecta. Diseñan desde muebles hasta productos de papel, telas impresas y cerámicas.
La exposición presentada tiene de nombre "Meander" y consistía en el diseño de una gama de candelabros en latón pulido y acero negro engrasado en curvas sinuosas y estampados textiles impresos en telas de algodón natural. Todos estos fueron inspirados en ríos serpenteantes.
Como cuentan sus diseñadores, "el río serpenteante es la encarnación de todo lo que es simple y hermoso en la naturaleza"
En cuanto a las áreas de Peckham y Nunhead, destacó la exposición Water en Copeland Gallery. Es una exposición que reune a un grupo de 13 diseñadores para explorar los materiales más importantes de la Tierra.
Como el nombre de la exposición indica, hace alusión al agua y especialmente a la importancia de esta en nuestro medio ambiente, materiales y productos con los que vivimos. Cuentan cómo es la razón por la cual existe cemento en nuestros edificios, madera en nuestras mesas y plásticos en nuestros dispositivos.
En este caso, los diseñadores crean productos, materiales, instalaciones y experimentos que incorporan, exploran o examinan el agua. Provienen de una variedad de antecedentes y disciplinas que incluyen productos, gráficos y tecnología. Todos ellos pretenden con esta exposición que el público reflexione sobre lo esencial que es este material en nuestras vidas.
Aunque finalmente participasen 13 artistas o estudios diferentes, inicialmente fue concedido a Unit Lab, Dean Brown y Kirsi Enkoraaa, de los cuales os dejo a continuación, y en orden mencionado, sus respectivas intervenciones:
Aún así, aquí podéis ver todos los proyectos.
Por último, en cuanto al distrito de Deptford, el taller de Sebastian Cox presentó una nueva colección personalizada de nuevas piezas de madera, Baylef.
La creciente colección cuenta con un armario con frente de cristal, una mesa de comedor, un diván tapizado, un tocador con tapa y mesas de noche, un escritorio y una mesa de café, que han sido trabajados con una paleta variada de maderas duras británicas.
Conservando su estilo distintivo, texturizado y elegante, han adoptado un enfoque medieval para la selección de materiales, al igual que han elegido cuidadosamente varias especies de madera británicas especialmente para acentuar sus diferentes colores, definiciones y resistencias de materiales.
Los artesanos medievales harían cosas usando cuatro, cinco o incluso seis especies de madera, seleccionando el mejor material para cada tarea. Por ello, el equipo de Sebastian Cox busca que las personas consideren diferentes materiales para los objetos de sus hogares, más allá de lo que ya conocemos o usamos, y en nuevas e interesantes combinaciones, especialmente a medida que estas maderas crecen en tal abundancia en Londres.
Querían crear una colección realmente pequeña pero precisa y exquisita de piezas que realmente, de verdad, demostraran el valor de las maderas duras británicas poco reconocidas.
4.5. EVENTOS 2017
En cuanto al Festival de Diseño de Londres, no podemos dejar de lado algo que adquiere tal importancia como los eventos que se realizan durante su celebración.
4.5.1. LONDON DESIGN BIENNAL
La primera edición de la London Design Biennale fue en 2016, con el tema Utopia by Design. Los visitantes vieron instalaciones curadas por los museos y organizaciones de diseño más importantes del mundo, incluyendo Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum (EE. UU.), German Design Council, MAK (Austria), Moscow Design Museum (Rusia), Triennale Design Museum (Italia), India Design Forum, Japan Foundation, y Victoria and Albert Museum (Reino Unido). AQuí os dejo un vídeo explicativo. Bienal 2016.
La próxima edición del festibval, en 2018, está dedicada al tema Estados emocionales. Tomando el control de la totalidad de Somerset House, incluyendo The Edmond J. Safra Fountain Court y River Terrace, explorará grandes preguntas e ideas sobre sostenibilidad, migración, contaminación, energía, ciudades e igualdad social. Los visitantes disfrutarán de instalaciones atractivas e interactivas, innovaciones, obras de arte y soluciones de diseño propuestas, todo en un viaje inmersivo, inspirador y entretenido del mundo.
Estos son algunas de las instalaciones que podremos ver en el festival.
Estos son algunas de las instalaciones que podremos ver en el festival.
4.5.2. FRONTIERS DESIGN
En septiembre de 2017 vimos el lanzamiento de Design Frontiers: una exhibición grupal gratuita de más de 30 diseñadores internacionales líderes en Somerset House en Londres. Design Frontiers iluminó las prácticas de pensamiento y trabajo de estos célebres diseñadores, cuyo trabajo es redefinir las fronteras de sus disciplinas: de la automoción a la moda, el diseño de productos a los gráficos y el rendimiento digital.
Trashpresso. Pentatonic presentó la primera planta de reciclado móvil fuera de la red del mundo. Utilizando la basura de Londres, Pentatonic creó mosaicos arquitectónicos que reconstruyeron una instalación inmersiva, demostrando el poder y el potencial del reciclaje.
Jijibaba. La colección de ropa masculina de Morrison y Hayon para la nueva marca Jijibaba se venderá exclusivamente en Dover Street Market. Exhibida en un marco escultórico hecho a medida, Jijibaba es una colección de indumentaria en evolución, en colaboración con Fritz Hansen y Vitra.
Mineral Gravity. La colaboración de Arik Levy con la compañía de superficies de lujo COMPAC, Mineral Gravity, implicó una isla de cuarzo mineral escultórica monobloque que parecía flotar dentro de su espacio de exhibición como un iceberg negro, como si estuviera tallado en un solo bloque de cuarzo.
Finas láminas verticales de diferentes losas de cuarzo de Ice of Genesis y Unique series de COMPAC formaron la estructura principal de la instalación; estas secciones crearon una sensación de infinitud frente a los techos altos del ala oeste de Somerset House.
Axyl. Benjamin Hubert de la agencia de diseño de experiencia LAYER presentó la colección AXYL para Allermuir, donde creó una nueva gama de muebles sostenibles con una materialidad y formato distintivos.
4.5.3. GLOBAL DESIGN FORUM
Entre ellos encontramos el Global Design Forum, sin duda uno de los eventos más deseados y solicitados de cada edición.
Global Design Forum es una celebración de diseño que se celebra anualmente, y se ha convertido en uno de los eventos clave del festival, que destaca por sus charlas, sus debates y sus distintos talleres. Año tras año su fama y popularidad ha ido aumentando, empezando en 2012 con solo dos días de programación y alcanzando actualmente la duración de una semana entera, es decir, lo mismo que el propio festival. En el Foro, se abre un debate a cerca de los pensamientos más innovadores en el mundo del diseño actual.
"A lo que estamos tratando de llegar es a cómo el diseño puede ayudar a que el mundo sea un lugar mejor", dice el comentarista británico especializado en diseño Max Fraser. "Estamos tratando de resolver algunos de los problemas que afectan el diseño en este momento".
Es un evento que reúne a los más prestigiosos diseñadores, organizadores y talentos para debatir los problemas y puntos de presión que realmente están afectando a la industria del diseño. Lo interesante es que, aún reuniéndose personas famosas en el ámbito del diseño, cualquiera que esté relacionado con esta disciplina puede asistir al Foro Global, tanto si se es jefe de una práctica de diseño superior, director creativo de una marca internacional o alguien con largos años de experiencia.
Durante su duración, se reúnen más de 30 oradores y surgen preguntas como ¿Cómo está cambiando el negocio del diseño en todo el mundo?, ¿Cuáles son las innovaciones que realmente dan forma a la industria del diseño?, ¿Cómo convencer a la gente de tener lo que aún no saben que quieren?, ¿Cómo se puede utilizar mejor el diseño para asegurar una ventaja competitiva?, ¿Por qué es importante jugar y soñar?... sobre las que todo el mundo puede exponer su opinión.
Durante su duración, se reúnen más de 30 oradores y surgen preguntas como ¿Cómo está cambiando el negocio del diseño en todo el mundo?, ¿Cuáles son las innovaciones que realmente dan forma a la industria del diseño?, ¿Cómo convencer a la gente de tener lo que aún no saben que quieren?, ¿Cómo se puede utilizar mejor el diseño para asegurar una ventaja competitiva?, ¿Por qué es importante jugar y soñar?... sobre las que todo el mundo puede exponer su opinión.
El objetivo es establecer colectivamente la agenda de diseño global e inspirar nuevas direcciones positivas para el sector, a la vez que ayudar a la economía y a la vida de las personas. Por tanto, comparten sus perspectivas sobre el diseño de cómo vivimos hoy y el mundo en el que queremos habitar mañana.
Sin duda, es el lugar idóneo para inspirarse sobre los materiales y las tecnologías radicales, sobre el color y sobre las nuevas posibilidades que esta disciplina ofrece, ampliando nuestra perspectiva y dejándonos llevar por nuestra imaginación.
Sin duda, es el lugar idóneo para inspirarse sobre los materiales y las tecnologías radicales, sobre el color y sobre las nuevas posibilidades que esta disciplina ofrece, ampliando nuestra perspectiva y dejándonos llevar por nuestra imaginación.
Para poder presentar y debatir ideas importantes, el Global Design Forum proporciona una plataforma creativa, donde se puede hablar sobre estos temas tanto dentro como fuera del escenario.
El Foro cambia las tornas de los modelos tradicionales de conferencias unidireccionales al dar a los delegados individuales la oportunidad de intercambiar ideas y contribuir a las discusiones. Estas ideas se recopilan de los oradores y delgados para formular mini manifiestos que informarán de los futuros eventos del Foro Global de Diseño.
"Quisimos invitar a personas de diferentes partes de la industria a reunirse para debatir temas y, con suerte, discrepar y provocarse mutuamente, para ver si hay alguna idea que se pueda implementar o si hay nuevos procesos o técnicas que puedan cambiar el camino que el negocio del diseño se hace hoy ".
En esta última edición, la noche de apertura tuvo lugar en el museo V & A de Londres, y se llevó a cabo un día completo de charlas en el Royal Festival Hall. Los oradores incluyeron a los diseñadores Peter Saville, Ross Lovegrove, Michael Young y Jaime Hayón (del cual ya hablamos al comentar las anteriores ediciones, como podéis leer aquí), así como a figuras destacadas de la industria automotriz y de la publicidad.
Como he dicho anteriormente, la duración del Foro Global de Diseño es de 7 días, y cada uno de ellos está dedicado a temas diferentes: comenzando el primer día por "lugares y rendimiento" acabando el último con "gráficos"y habiendo tocado temas como "tecnologías radicales", "colecciones", "color" o "super materiales".
Indagando un poco en estas charlas, hemos podido ver cómo muchos artistas, diseñadores y arquitectos que ya hemos podido conocer al investigar sobre otros apartados del festival, han sido partícipes de ellas, mostrando al mundo su visión sobre el diseño.
En esta última edición, fueron 17 las charlas expuestas, de las cuales queremos hacer mención, como he dicho anteriormente, a aquellas de las cuales ya hemos podido aprender un poco más.
Entre ellas se encuentran las siguientes:
El primer día nos encontramos con "El efecto Bilbao 2.0: una historia de dos museos", nombre para el que fue referencia como un edificio (en este caso el Guggenheim de Bilbao) puede convertirse en la iconografía de toda una ciudad. Fue concebida por Amanda Levete, una arquitecta de la que ya hablamos cuando mencionamos el proyecto Timber Wave, expuesto en la edición del 2011 y de la cual os vuelvo a dejar aquí el enlace.
Fue un acontecimiento donde se quiso explorar la relación entre los museos y las ciudades que se habitan. A su vez, buscaron dar voz a la arquitectura de un museo y a sus contenidos.
En cuanto al segundo día, dos son los nombres conocidos con los que nos encontramos.
El primero es el de la diseñadora de escenografía Es Devlin (ganadora de la medalla Panerai London Design de esta edición) , titulado "La mecánica de la incredulidad". Como podéis leer en este post anterior, es una artista que busca en todo momento esa unión entre el escenario y la audiencia. En este caso, hace alusión a la relación entre intérprete, audiencia, luz y oscuridad. Además, nos hace ver la importancia que tienen la iluminación y el diseño del escenario en cómo percibimos las cosas.
Por otro lado, encontramos la presencia de Paul Prietsman (en este caso ganador de la medalla Design Innovation) entre pequeño grupo, debatiendo temas sobre el transporte bajo el título de "El futuro del diseño del transporte y más allá". Está claro que es uno de los mayores entendidos en esta industria, como ya veníamos comentándoos en esta entrada. En este caso, se buscaba que los participantes escuchasen hablar sobre temas como el diseño para el envejecimiento demográfico, sobre la importancia de anticiparse a las necesidades y deseos del futuro, tanto a las demandas de una ciudad como de sus usuarios y sobre cómo la industria del diseño de producto tenía tal importancia en tal avance.
Por último, el último día nos encontramos con una artista cuyo nombre ha sido uno de los más nombrados en esta edición de 2017 debido a su intervención Villa Walala, a la cual os dejo el enlace correspondiente. Como ya os habréis podido hacer a la idea, se trata de Camille Walala, una artista que destaca principalmente por sus poderosas impresiones digitales. En esta charla podemos ver cómo se tratan temas como la creación de oportunidades y la manera de encontrar las colaboraciones correctas, la amplia gama de posibilidades que ofrece la creatividad, cómo el propio diseñador puede ir creando su estilo mientra se beneficia de las últimas tendencias y finalmente la importancia de las intervenciones en la calle.
En esta última edición, fueron 17 las charlas expuestas, de las cuales queremos hacer mención, como he dicho anteriormente, a aquellas de las cuales ya hemos podido aprender un poco más.
Entre ellas se encuentran las siguientes:
El primer día nos encontramos con "El efecto Bilbao 2.0: una historia de dos museos", nombre para el que fue referencia como un edificio (en este caso el Guggenheim de Bilbao) puede convertirse en la iconografía de toda una ciudad. Fue concebida por Amanda Levete, una arquitecta de la que ya hablamos cuando mencionamos el proyecto Timber Wave, expuesto en la edición del 2011 y de la cual os vuelvo a dejar aquí el enlace. Fue un acontecimiento donde se quiso explorar la relación entre los museos y las ciudades que se habitan. A su vez, buscaron dar voz a la arquitectura de un museo y a sus contenidos.
En cuanto al segundo día, dos son los nombres conocidos con los que nos encontramos.El primero es el de la diseñadora de escenografía Es Devlin (ganadora de la medalla Panerai London Design de esta edición) , titulado "La mecánica de la incredulidad". Como podéis leer en este post anterior, es una artista que busca en todo momento esa unión entre el escenario y la audiencia. En este caso, hace alusión a la relación entre intérprete, audiencia, luz y oscuridad. Además, nos hace ver la importancia que tienen la iluminación y el diseño del escenario en cómo percibimos las cosas.
Por otro lado, encontramos la presencia de Paul Prietsman (en este caso ganador de la medalla Design Innovation) entre pequeño grupo, debatiendo temas sobre el transporte bajo el título de "El futuro del diseño del transporte y más allá". Está claro que es uno de los mayores entendidos en esta industria, como ya veníamos comentándoos en esta entrada. En este caso, se buscaba que los participantes escuchasen hablar sobre temas como el diseño para el envejecimiento demográfico, sobre la importancia de anticiparse a las necesidades y deseos del futuro, tanto a las demandas de una ciudad como de sus usuarios y sobre cómo la industria del diseño de producto tenía tal importancia en tal avance. 
4.6. IDENTIDAD GRÁFICA 2017
Por undécimo año consecutivo, Dominic Lippa, uno de los socios de la mundialmente conocida empresa Pentagram ha creado la identidad visual para el London Design Festival. Desde su primera colaboración con el festival en 2007, se ha encargado de diseñar desde la guía oficial del festival, hasta carteles, señalización, mercadería y publicidad. Pentagram es una de las agencias gráficas más grandes del mundo, que se estableció en Londres en 1972 y ahora cuenta con oficinas por todo el mundo.
La identidad de este año rinde homenaje a la belleza urbana de Londres. Ha sido producida especialmente para el evento, habiendola fabricado a mano por un fabricante de signos a medida, utilizando neón como material principal para conseguir una estructura en 3D y transmitir un sentimiento de inmediatez y escala. Según Lippa, intentaron explorar más formas, ángulos y expresiones, con el objetivo de transmitir el compromiso del festival de acercarse al diseño desde direcciones únicas.
Al igual que en años anteriores, ha sido utilizada una paleta de colores restringida al rojo y blanco. De este modo, consiguen mantener la coherencia con la marca del festival año tras año.
Pentagram trabajó con el fotógrafo John Ross para crear imágenes de los signos, capturando los tubos de neón en una variedad de ángulos. El zoom es mayor o menos dependiendo la imagen y lo que quieran buscar con ella, utilizando un zoom menor para mostrar el logotipo como un todo y uno mayor para enfocar la atención en los tubos de neón y las palabras que estos forman. Jon Ross, entendió perfectamente lo que el festival necesitaba, creando así imágenes que se volvían casi estructurales.
4.6.1. ANTERIORES EDICIONES PENTAGRAM
Este es un pequeño resumen de los trabajos de Pentagram para el London Design Festival a lo largo de los años:
2016: Design is in the Detail
2015: Design Takes London
2014: Lose Yourself In Design
2013: Design Is Everywhere
2012: Ten Years of Design
2011: Design From All Angles
2010: Facts and Figures
2009: Be Bold, Make a Statement
2008: All Things Design
2007: Painting the Town Red
5. OTROS FESTIVALES
Como ya habréis visto, nuestro trabajo de investigación se centra en el Festival de Diseño de Londres, en concreto en la edición del 2017. No obstante, desde el primer momento pensamos que no debíamos dejar de lado otros festivales que estuviesen sucediendo por el mundo y que también fuesen referentes en el ámbito del diseño.
5.1. MILANO DESIGN WEEK
Por eso mismo, escogimos unos cuantos eventos más, entre los que se encuentra la Semana de Diseño de Milán, conocida como "Milano Design Week".
La Semana de Diseño de Milán no es una feria; nació espontáneamente a principios de los años 80 por compañías que trabajaban en los sectores del mobiliario y el diseño industrial.
Incluso, hoy en día, los promotores individuales se organizan de forma autónoma para crear un gran evento colectivo que se concentra durante el mes de abril, al mismo tiempo que la Feria Internacional del Mueble de Milán.
De hecho, los eventos se encuentran principalmente en las salas de exposiciones de las empresas participantes, que están dispersas por toda la ciudad. Con el tiempo, se han dedicado áreas enteras a exposiciones temporales durante la semana del diseño, a menudo en antiguas zonas abandonadas que las empresas toman bajo gestión para ese periodo con el fin de crear grandes puntos de interés, no sólo llena de exposiciones de los diversos productos, sino también de actuaciones y obras de diversos tipos.
Son los proyectos de Fuorisalone y Salone del Mobile de Milano los que definen esta Semana del Diseño de Milan.
Comenzaré hablando sobre Fourisalone, seguramente el menos conocido para todos, pero aún así muy importante y de merecida mención. Se trata de uno de los principales proyectos que coincide con la Semana del Diseño de Milan y que, en este caso, se lleva a cabo fuera del recinto ferial del Salone del Mobile,
Su celebración se encuentra en diversos puntos de Milán, ubicados y diferentes áreas, como podéis ver en la siguiente imagen.
Furiosalone no debe entenderse como un evento de feria, no tiene una organización central y no está gestionado por un solo organismo institucional: nació espontáneamente a principios de los años 80 por voluntad de empresas activas en el campo del mobiliario y el diseño industrial. Actualmente se expande a muchos sectores relacionados, como la automoción, la tecnología, las telecomunicaciones, el arte, la moda y la alimentación.
Como he mencionado antes y como habéis podido ver en el mapa de la imagen, se distinguen tres grandes zonas o distritos. La primera es Zone Ventura Lambrate & Ventura Centrate. Esta zona es siempre una de las más esperadas y en ella han expuesto diseñadores como Le Broom, Jaime Hayon y Tom Dixon. Es un espacio dedicado a nuevas propuestas, donde se presentan nuevas ideas, productos y enfoques conceptuales, teniendo cada año un enfoque más innovador.
Como segunda zona nos encontramos con Brera Design District. Brera se encuentra en el centro histórico de Milán , un área que siempre ha sido foco de desarrollo comercial, artístico y cultural. Abarca algunos de los edificios históricos más prestigiosos de la ciudad, y sus calles están alineadas con más de 80 tiendas permanentes de diseño, talleres de artesanos, galerías de arte, tiendas, museos, la Accademia delle Belle Arti y varios centros culturales y de arte.
Su objetivo es mejorar la oferta cultural y el atractivo del distrito, uniendo la tradición y la innovación en el amplio campo de diseño. El proyecto involucra tanto a marcas y profesionales ya presentes en Brera como a diseñadores con intervenciones temporales que consideran que las ubicaciones únicas y sugerentes del distrito son un escaparate ideal.
Por último, nos encontramos con la Zone Tortona Design Week. Es una de las principales zonas industriales de esta ciudad donde edificios de fabricas y antiguas estaciones de trabajo se convirtieron en talleres de arte, espacios culturales y de exhibición, una vez que el gremio creativo enfoco su mirada en esta localidad. Aquí se pueden ver instalaciones y exposiciones de arte, fotografía, arquitectura y por supuesto diseño.
Como ya venía diciendo en este post en la Milano Design Week nos encontramos con Fuorisalone y Salone del Mobile de Milano, del cual os vengo a hablar en esta entrada.
La historia del Salone del Mobile de Milano se remonta al 24 de septiembre 1961, año en el que se lanzó con un enfoque original en el mobiliario italiano. Los patrocinadores originales fueron fabricantes de muebles de la asociación comercial Federelegno-Arredo y estuvo organizado por Cosmit para la promoción de exportaciones de muebles italianos y accesorios de decoración.
La feria nace como una vía para atraer el interés extranjero, mientras competía con otras grandes ferias del momento. La feria empezó a crecer poco a poco a través de los años, lo que permitió que muchas de las 13 mil empresas que conformaban la industria global del mueble exhibieran sus productos en un solo evento. Pronto se convirtió en sinónimo de éxito duradero y garantía, un punto de referencia mundial para el sector del equipamiento para el hogar.
Desde sus tiempos de auge en 1967 y 1968 el Salone no ha dejado de creer debido al mayor interés público y al ser una estupenda herramienta de marketing. Partiendo de los 12mil espectadores y los 2.720m2 en su primera edición, ha logrado superar los 300mil visitantes y los 210mil m2 en sus últimos años, convietiéndolo en el escaparate indiscutible del mundo de la decoración.
Aún teniendo una larga lista de países que quieren colaborar con esta feria, de momento solo se han llevado a cabo tres proyectos en el proceso de internacionalización: primero se llevó el Salone de Milano a Nueva York y Moscú en 2005 y a Shanghai en 2016.
El espectáculo actual ocupa un área de casi 230.000 m2 e incluye 2.5000 compañías, junto con 700 jóvenes diseñadores en el Salone Satellite, una exhibición secundaria. Además, la visita anual del programa es de 270.000 personas, con asistentes de más de 150 países de todo el mundo.
Cada año se pueden apreciar desde muebles y lanzamientos de productos hasta atractivas exhibiciones e instalaciones, emocionantes ventanas emergentes y fiestas.
Sin duda alguna, es una de las ferias más importantes en el mundo de la industria de muebles para el hogar y, a día de hoy, se ha convertido en el punto de encuentro de todos los operadores italianos e internacionales en el campo de la excelencia en el diseño.
En las últimas ediciones, más de 2.000 expositores ocupan un área de exposición de más de 200.000m2 y presentan proyectos de valor extraordinario, capaces de entrelazar el diseño, la tecnología, la flexibilidad y la sostenibilidad en productos y soluciones para una vida contemporánea que conscientemente mira hacia el futuro.
Se trata, por tanto, de una oferta que combina calidad y creatividad, fruto del estudio, compromiso e inversión en la investigación de las mejores empresas del sector.
A esta edición acudieron más de 300.000 visitantes de más de 165 países diferentes. Junto a ellos, contaron con más de 5.000 periodistas de todo el mundo, que se sintieron atraídos por el evento.
Si hay, por tanto, una feria por excelencia dónde el diseño de los stands cobra una relevancia fundamental esa es la Feria del Mueble de Milán.
La Semana de Diseño de Milán no es una feria; nació espontáneamente a principios de los años 80 por compañías que trabajaban en los sectores del mobiliario y el diseño industrial.
De hecho, los eventos se encuentran principalmente en las salas de exposiciones de las empresas participantes, que están dispersas por toda la ciudad. Con el tiempo, se han dedicado áreas enteras a exposiciones temporales durante la semana del diseño, a menudo en antiguas zonas abandonadas que las empresas toman bajo gestión para ese periodo con el fin de crear grandes puntos de interés, no sólo llena de exposiciones de los diversos productos, sino también de actuaciones y obras de diversos tipos.
Son los proyectos de Fuorisalone y Salone del Mobile de Milano los que definen esta Semana del Diseño de Milan.
Desde sus tiempos de auge en 1967 y 1968 el Salone no ha dejado de creer debido al mayor interés público y al ser una estupenda herramienta de marketing. Partiendo de los 12mil espectadores y los 2.720m2 en su primera edición, ha logrado superar los 300mil visitantes y los 210mil m2 en sus últimos años, convietiéndolo en el escaparate indiscutible del mundo de la decoración.
Aún teniendo una larga lista de países que quieren colaborar con esta feria, de momento solo se han llevado a cabo tres proyectos en el proceso de internacionalización: primero se llevó el Salone de Milano a Nueva York y Moscú en 2005 y a Shanghai en 2016.
En las últimas ediciones, más de 2.000 expositores ocupan un área de exposición de más de 200.000m2 y presentan proyectos de valor extraordinario, capaces de entrelazar el diseño, la tecnología, la flexibilidad y la sostenibilidad en productos y soluciones para una vida contemporánea que conscientemente mira hacia el futuro.
Se trata, por tanto, de una oferta que combina calidad y creatividad, fruto del estudio, compromiso e inversión en la investigación de las mejores empresas del sector.
A esta edición acudieron más de 300.000 visitantes de más de 165 países diferentes. Junto a ellos, contaron con más de 5.000 periodistas de todo el mundo, que se sintieron atraídos por el evento.
Si hay, por tanto, una feria por excelencia dónde el diseño de los stands cobra una relevancia fundamental esa es la Feria del Mueble de Milán.
5.1. PRODUCT DESIGN MADRID
Madrid Design Festival es un festival internacional que convertirá a Madrid en capital de diseño y la situará en un lugar privilegiado en el contexto internacional. La cita se celebrará durante el mes de febrero de 2018 y abarcará todas las disciplinas de diseño, desde la arquitectura al diseño gráfico pasando por la comunicación o el interiorismo, hibridando todas ellas en un formato contemporáneo e innovador.
Madrid Design Festival propone para ello un programa transversal que permitirá mostrar propuestas de diseñadores de referencia y apostar a su vez por los jóvenes profesionales.
Madrid Design Festival es un proyecto de largo recorrido que estará presente en toda la ciudad, convirtiéndose en la mejor herramienta de democratización del diseño y transmitiendo la importancia de una disciplina que transforma a diario nuestras vidas. Un lenguaje capaz de generar metodologías, cambiar mentalidades, alterar positivamente nuestro entorno y, sobre todo de rediseñar el mundo.
El festival será una cita cargada de ambiciosas propuestas que colocará al diseño en el calendario cultural de la ciudad, atrayendo a una audiencia nacional e internacional a sus actividades expositivas y formativas repartidas por toda la capital.
El festival convertirá cada mes de febrero a Madrid en una fiesta del diseño, abriendo la temporada en la que la ciudad se transforma en un espacio puntero en los campos del diseño y la creación, con citas de referencia.
Madrid Design Festival, concebido y creado por La Fábrica y bajo la dirección de Álvaro Matías, ha contado, desde sus inicios, con la colaboración de un comité asesor integrado por expertos independientes, especialistas en distintos campos: Alberto Barreiro, Paloma Cañizares, Izaskun Chinchilla, Ana Domínguez-Siemens, Fernando Gutiérrez, Juan Herreros, Jorge Penadés y Toni Segarra.
5.1. BMY BERLIN
Este festival celebrado en Berlín lleva 16 años activo, y es uno de los grandes referentes de Europa, por lo que hemos decidido hablar sobre él.
El DMY International Design Festival quiere dar una plataforma al paisaje de diseño de Berlín, que debería servir como una muestra anual del trabajo creativo de Berlín. Busca activar el atractivo internacional del festival para los diseñadores de Berlín y demostrar el potencial creativo de las obras expuestas como un factor de imagen para Berlín. Y especialmente en el décimo año de la UNESCO de la Ciudad de Diseño de Berlín.
TALENTOS EMERGETES. En este festival se apuesta mucho por los diseñadores jóvenes emergentes. Aquí podremos ver a tres diseñadores que participaron en el festival y tuvieron buena repercusión.
Alexander Mueller: colección Dahlia. la serie monocromática y sólida de cenizas europeas, producida en colaboración con el fabricante italiano familiar universal, combina materias primas locales y técnicas modernas de ingeniería con artesanía tradicional. la colección se crea utilizando fuentes de energía renovables. inspirado en la arquitectura londinense, Mueller ha utilizado un motivo de línea simplificado para realzar la forma general de las piezas al teñir los marcos de fresno, que luego se han biselado para revelar la ceniza sin tratar a continuación, añadiendo un efecto de contorno a las piezas.
Álvaro Díaz Hernández: colección de alambre. el objetivo de Álvaro Díaz Hernández era crear una colección minimalista de muebles inspirada en la esencia de la línea y basada en una estructura rígida soldada. objetos cotidianos que transmiten la atención prestada a los detalles y extremadamente funcionales, lo que permite al usuario ser creativo permitiendo que las superficies se manifiesten a partir de libros, revistas y pequeños objetos. la colección de cables es una propuesta conceptual concebida para mantener un estilo escultórico y una estética atemporal donde el diseño cumple con las exigencias funcionales y la estabilidad con un aspecto distintivo.
Bicicletas Happarel: Las bicicletas reflexivas. Desarrolló los primeros bastidores de bicicleta reflectantes totalmente personalizados del mundo debido a la necesidad de aumentar la visibilidad de los ciclistas con una elegante solución de seguridad que agrega estética de diseño en lugar de comprometer. Cada bicicleta es un proyecto personalizado donde los elementos de diseño se desarrollan al lado del cliente para incluir una selección completa de colores, logotipos, texto y aspectos de diseño. Además, Happarel está diseñando una gama de aplicaciones reflexivas de bricolaje, como kits de pegatinas y prendas para presupuestos más pequeños.
Colaboración de IED Madrid. El Instituto Europeo di Design de Madrid tiene una repercusión a nivel europeo. Como en otras muchas ferias y festivales de diseño, como el de Milán, este instituto deja su huella año tras año en el Festival de Berlín. Aquí veremos unos proyectos de algunos de sus alumnos.
Flow de Eugenia Ramos. Concentrador de oxígeno portátil más compacto, para hacer el día a día más fácil a aquellas personas que sufren EPOC (enfermedad pulmonar obstructiva crónica), mejorando su calidad de vida. Este proyecto reduce de manera considerable las dimensiones de los concentradores portátiles de oxígeno, sin renunciar a su calidad y funcionalidad.
Uco de Daniela González. Separador de espacios de mesa que crea intimidad y ayuda a obtener un óptimo espacio acústico, mejorando la concentración del usuario y potenciando su actividad mental; pero sin necesidad de aislarlo, fomentando así un buen ambiente de trabajo. Una pieza funcional que se puede plegar fácilmente para guardarlo.
5.1. CASA DECOR
Casa Decor es una exclusiva exposición de interiorismo que ofrece un formato único en Europa. Se realiza todos los años en un lugar diferente en el centro de Madrid. Durante 40 días, la Exposición abre al público un edificio histórico y singular, donde se pueden apreciar medio centenar de espacios decorados por los interioristas más destacados del momento.
Tanto profesionales (interioristas, decoradores, arquitectos, diseñadores, paisajistas y artistas), como empresas del sector del hábitat, consumo, lujo y alta gama, tienen cabida en este proyecto.
Los participantes cuentan con una oportunidad única de promocionar y dar visibilidad a sus proyectos, productos y servicios en un contexto de lujo, vanguardia y alta decoración.
Los interioristas que eligen participar, deben presentar un proyecto decorativo de calidad estética y excelente ejecución. En él, muestran tanto su estilo decorativo como su buen hacer profesional. En total se muestran más de 50 proyectos decorativos.
Los profesionales participantes son libres de realizar cualquier espacio habitacional (salones, dormitorios, baños, cocinas, etc.) siempre que mantengan los estándares de calidad y estética que una exposición como esta requiere.
Aquellos profesionales que opten por desarrollar un proyecto para mostrar su trabajo, pueden contratar un espacio durante la exposición, cuyo precio depende del tamaño y la ubicación del mismo.
Por otro lado, en cuanto a las empresas, encontramos marcas que quieren promocionar un producto o servicios dentro del sector del interiorismo (mobiliario, materiales, iluminación, electrodomésticos, textil, etc...), así como firmas de alta gama y consumo, que buscan una plataforma de comunicación diferente y exclusiva.
En este caso, las pueden participar de dos maneras diferentes: contratando un espacio propio para promoción de la marca o bien con presencia del producto en espacios decorados por terceros.
Casa Decor es una exclusiva exposición de interiorismo que ofrece un formato único en Europa. Se realiza todos los años en un lugar diferente en el centro de Madrid. Durante 40 días, la Exposición abre al público un edificio histórico y singular, donde se pueden apreciar medio centenar de espacios decorados por los interioristas más destacados del momento.Tanto profesionales (interioristas, decoradores, arquitectos, diseñadores, paisajistas y artistas), como empresas del sector del hábitat, consumo, lujo y alta gama, tienen cabida en este proyecto.
 |
| Cocina con comedor, Ignacio Carrasco y Alberto Porras |
La Exposición recibe más de 40.000 visitantes por edición, es decir, alrededor de mil personas diarias. El visitante de Casa Decor responde mayoritariamente a un perfil socioeconómico alto y medio-alto, de entre 30 y 50 años.
Por tanto, son muchas las personas que se acercan a apreciar estas intervenciones, en su mayoría profesionales, amantes de la decoración y con gran interés por hacer reformas en su casa o adquirir una nueva vivienda.
Casa Decor es una especie de revista en vivo, donde los visitantes pueden utilizar todos sus sentidos durante el recorrido por la casa. Se trata de una forma única de acercarse al trabajo de los profesionales a través de una experiencia sensorial agradable, empírica y de gran impacto emocional, de la que los diseñadores obtienen interesantes ventajas comerciales.
Durante 5 semanas, los profesionales que participan tienen la oportunidad de explicar, de primera mano, su proyecto a posibles clientes, medios de comunicación y prescriptores.
Casa Decor ofrece un entorno exclusivo donde exponer mobiliario de diseño y de alta gama en espacios reales dentro de un entorno de vanguardia. Como hemos mencionado, el visitante logra vivir una experiencia sensorial, en este caso entrando en contacto directo con el producto y estableciendo un vínculo con él. La pieza de mobiliario expuesta no solo se puede ver y tocar, sino que también se puede hacer uso de ella, a fin de que el visitante experimente directamente la sensación de confort.
En cada edición, los salones ocupan espacios privilegiados dentro del recorrido de la exposición; son estancias amplias, luminosas y proyectadas por los más destacados profesionales. Casa Decor es, por tanto, un escaparate de lujo y tendencias para exponer mobiliario moderno o clásico de alta gama: sofás, butacas, mesas de centro, librerías, aparadores...
Además, todos los años se reservan varios espacios donde presentar espectaculares comedores, decorados con las últimas novedades en mesas y sillas, aparadores y muebles auxiliares de comedor.
Por otro lado, los proyectos de dormitorios y suites suelen atraer a prestigiosas firmas hoteleras, que buscan ideas, tendencias y descubrir nuevas marcas de mobiliario.
Dispone también de un auditorio, que es proyectado cada año por una decorador o empresa, donde diariamente se desarrollan diversos eventos (rudas de prensa, conferencias, presentaciones de productos...).
Son de mencionar, por último, el restaurante, el bar y la terraza, espacios sociales que cuentan con gran visibilidad, pues en ellos se realizan los eventos de mayor importancia, como el Cóctel de Inaguración o los Premios Casa Decor. Además, son zonas muy concurridas por el visitante, que suele comer, cenar o tomar una copa, incluso fuera del horario de la exposición.
Por tanto, es un medio estupendo para establecer relaciones comerciales y colaboraciones entre los profesionales y las marcas participantes de cada edición. Sin duda alguna, un proyecto que implica nuevas posibilidades de trabajo y negocio, tanto en espacios públicos como privados.
La exposición se convierte en el epicentro de la vida social, cultural y profesional de la capital, gracias a su intensa actividad en la que se incluyen los Premios de Interiorismo Casa Decor, charlas y conferencias en el auditorio, comidas y cenas en el restaurante del edificio, visitas guiadas, talleres, catas y actuaciones.
Han sido más de dos mil los profesionales que han pasado por las 52 ediciones hasta ahora acontecidas, desde nombres consagrados hasta jóvenes talentos que empezaban a darse a conocer. Casa Decor ha servido de escaparate y lanzadera de los mejores profesionales en las últimas décadas.
Son muchos los profesionales de primera línea que han querido repetir esta experiencia, lo que deja ver que es una fórmula única que funciona como plataforma de negocio, promoción y comunicación para profesionales relacionados con el mundo del interiorismo.
Es además un acontecimiento con gran visibilidad mediática. Cada edición genera alrededor de un millar de noticias durante un periodo de ocho meses, y da acceso a 500 periodistas acreditados, lo que convierte a Casa Decor en uno de los eventos con mayor relevancia mediática del año.
Desde 1992, Casa Decor es un referente en el sector del interiorismo en España, con gran relevancia mediática, prestigio y credibilidad. Las cifras de la última edición de 2017 avalan su poder de convocatoria y su repercusión en el sector. Han conseguidos alcanzar 43.477 visitantes, 102 empresas participadoras y nada más y nada menos que 2.600m2 de decorado.
Por tanto, podemos decir que Casa Decor supone para sus participantes una plataforma única de comunicación, ya que alcanza una repercusión mediática muy superior a otros eventos del sector.
Aquí os dejo el enlace al vídeo de promoción de una de sus últimas ediciones.
Oscar Álvarez y Andrea Rojo
Comentarios
Publicar un comentario